Estrenamos... Kick-Ass (Kick-Ass: Listo para machacar) (2010)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Matthew Vaughn
Reparto: Aaron Johnson, Nicolas Cage, Mark Strong, Christopher Mintz-Plasse, Chloe Moretz, Elizabeth McGovern
Guión: Jane Goldman, Matthew Vaughn (Cómic: Mark Millar)
Música: Ilan Eshkeri, Henry Jackman, John Murphy, Marius De Vries
Fotografía: Ben Davis

Sinopsis: Kick-Ass’ (film no apto para menores) gira en torno a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl (Chloë Moretz) y su padre, Big Daddy (Nicolas Cage)- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D'Amico (Mark Strong), sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

"Ridículamente entretenida y con un ritmo perfecto, una ultra-violenta ráfaga cinematográfica que pisotea los lugares que otras películas se esfuerzan por alcanzar. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Chris Hewitt: Empire)
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"Moralmente censurable (...) Digamos que eres un gran fan del cómic original, y crees que la película le hace justicia. ¿Sabes qué? Habitas un mundo en el que no estoy interesado. (...) Puntuación: * (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Insufla vida a uno de los géneros del cine más sosos (...) Prepárense para lo asombroso: Esta cosa hace que Nicolas Cage vuelva a resultar 'cool'. (...) Hit Girl, eres mi heroína. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)
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"Te reta a bucear en su anarquía. (...) La película pertenece a Moretz, de cuya sensacional interpretación se hablará durante años. (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Empieza siendo un notable, divertido y gamberro ejercicio de reciclaje de situaciones en versión cafre, para acabar resultando un filme de enmascarados justicieros al uso, hiperviolento y de factura técnica impecable." (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Con un acabado digno de Raimi y escenas de acción frenética en la constelación de John Woo. Aunque excesivamente larga y descompensada, propone una fiesta a la que es grato acudir se esté o no familiarizado con los superhéroes." (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
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"La película de Vaughn se queda más cerca del ingenio que del genio, aunque, eso sí, sorprenderá a quien no se haya leído la superior, brutal historieta en la que se basa. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)
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"Entretenimiento cachondo, rayano a la provocación, con retranca y un deje británico (en el acento y la esencia) inusual (...) La película que cambiará la vida de los chavales que se atrevan a verla. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

Estrenamos... Two Lovers (2008)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: James Gray
Reparto: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Elias Koteas, Moni Moshonov, Bob Ari, John Ortiz, Julie Budd
Guión: James Gray, Ric Menello
Música: Varios
Fotografía: Joaquín Baca-Asay

Sinopsis: En Brooklyn, Leonard (Joaquin Phoenix), un joven con problemas emocionales, prosigue su vida tras su última recaída. Mientras trata de recuperarse bajo la atenta mirada de sus preocupados padres, dos mujeres entran de repente en su vida. Por un lado la encantadora y sencilla Sandra (Vinessa Shaw), hija del nuevo socio de su padre, y por otro Michelle (Gwyneth Paltrow), una bella y sensual vecina con un halo de misterio que parece no encajar en el aburrido barrio donde vive Leonard. El amor de Leonard se debatirá entre la complicada y emotiva Michelle y Sandra, la chica perfecta a ojos de su familia.
2008: Cannes: Nominado a la Palma de Oro

"La película está tan bien interpretada y ejecutada, que la contemplamos desarrollarse sin la conciencia de estar viendo una representación (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Gracias a la segura dirección de Gray, un guión intuitivo y unas devastadoras interpretaciones de Paltrow y Phoenix, su relación es una de las más auténticas y memorables que he visto en los últimos años (...) Por favor, no se la pierdan" (Richard Roeper: Ebert & Roeper)
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"Se puede argumentar que con 'Two Lovers' Mr. Gray ha intercambiado un conjunto de clichés por otro. Pero quizás porque las convenciones del melodrama romántico han estado aletargadas por tanto tiempo, existe algo nuevo e intenso en la manera en que él las utiliza en esta película" (A. O. Scott: The New York Times)
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"Una película agresivamente aburrida que rebosa auto-indulgencia" (Kyle Smith: New York Post)
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"Insólita y hermosa (...) Gray se muestra tan lírico como retorcido y emocionante (...) una obra de apariencia engañosamente amable." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Como suele ser habitual en el director, una impactante dirección 'a lo Coppola' al servicio de un guión estúpido." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Una de las mejores (y más tristes) películas que habrá este año en la cartelera (...) cuyos ahogos o desahogos finales, filmados, como toda la historia, con una cercanía feroz, te abren el pecho como si se te hubiera desabotonado algo. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Inmensa (...) Gray ha abordado el clásico drama romántico huyendo de todo lo que el público espera." (Javier Ocaña: Diario El País)

Estrenamos... Serge Gainsbourg, vie héroïque (Gainsbourg , Vida de un héroe (2010)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Joann Sfar
Reparto: Eric Elmosnino, Laetitia Casta, Lucy Gordon, Doug Jones, Mylène Jampanoï, Anna Mouglalis, Sara Forestier, Kacey Mottet Klein , Yolande Moreau
Guión: Joann Sfar
Música: Olivier Daviaud
Fotografía: Guillaume Schiffman

Sinopsis: Serge Gainsbourg, hoy un icono francés, fue cantante, escritor, compositor y pintor, pero mayormente durante casi todo el tiempo fue un infatigable provocador, un tipo de impredecible comportamiento en su vida pública. Ya de crío Serge era un niño judío que fanfarronea por las calles de un París bajo la ocupación alemana; y luego un joven y tímido poeta que abandona su pintura y su habitación para dejarse embaucar por los cabarés de transformistas de los años 60. Esta es una "vida heroica" donde las criaturas de la mente se plasman en la pantalla y la elocuencia se conjuga con los escándalos amorosos. Así nace una obra subversiva, con un ciudadano leal y rebelde como protagonista que hará vibrar al mundo entero.

"Tan evocadora como fiel en su descripción de la lasciva vida del famoso cantante francés, 'Gainsbourg' ofrece un festín de canciones memorables (...) Biopic sólidamente entretenido" (Jordan Mintzer: Variety)
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"Abundan las pretensiones líricas, la supuesta mordacidad (...) Todo resulta afectado, repetitivo, cargante." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"El espectador se sumerge en aquella época y, por lo general, se la cree. El mayor y casi único peligro acecha desde el tono de la cinta, entre surrealista y fantástico (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC

Estrenamos... La vida empieza hoy (2010)

Información de interés:

Nacionalidad: España
Director: Laura Mañá
Reparto: Pilar Bardem, Rosa María Sardá, Mariana Cordero, Luis Marco, Sonsoles Benedicto, Osvaldo Santoro, María Barranco, Eduardo Blanco, Fernando Tielve
Guión: Laura Mañá, Alicia Luna
Música: Xavier Capellas
Fotografía: Mario Montero

Sinopsis: Un grupo de gente de la tercera edad acude a unas clases de sexo donde les recuerdan que su cuerpo todavía está vivo. Allí aprenden los unos de los otros, hablan de sus vivencias... Olga, la profesora, les ayuda a hacer frente a los problemas generados por la edad. Para eso tendrán que hacer deberes: aprender a mirarse al espejo, dedicar 20 minutos al placer... “Sexo es vida- les dice- porque el sexo tiene que ver con las sensaciones, y no dejamos de sentir nunca”.

2010: Festival de Málaga: Premio de la crítica

"La película parece estar pidiendo a gritos que se formule un chiste fácil: subrayar que sus modos y maneras resultan escandalosamente más viejos que su reparto" (Jordi Costa: Diario El País)
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"El filme se decanta irremediablemente hacia la comedia de trazo algo grueso, con situaciones previsibles y otras no demasiado bien desarrolladas (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)
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"Comedia divertida, fresca y entrañable" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)
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"Graciosilla (aunque en ocasiones cae en gags espesos), es una pena que le falte corchura y un aire más decididamente tragicómico" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)
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"Humilde pero noble y optimista (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)

Estrenamos... Mother and Child (Madres & hijas) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Rodrigo García
Reparto: Naomi Watts, Annette Bening, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Amy Brenneman, David Morse, Marc Blucas, Jimmy Smits, Lisa Gay Hamilton, Elpidia Carrillo, Carla Gallo, Tatyana Ali, Brittany Robertson, David Ramsey, Ahmed Best
Guión: Rodrigo García
Música: Ed Shearmur
Fotografía: Xavier Pérez Grobet

Sinopsis: Drama centrado en tres mujeres: una mujer de unos cincuenta años (Annette Bening), la hija (Naomi Watts) que dio en adopción 35 años atrás, y una mujer afroamericana (Kerry Washington) que quiere adoptar un niño. Mother and Child es la historia de tres mujeres y sus principales relaciones amorosas: con sus hombres, con sus hijas y con sus propias madres. Ante la insistencia de su madre, Karen abandonó a la niña que tuvo con 14 años. Ahora, 36 años después, mientras sigue lamentando la pérdida de su hija, parece encuentrar a un hombre que está dispuesto a darle una familia y aportar un poco de alegría a su vida. Elizabeth es aquella niña, que ahora lucha con sus propios problemas de familia, sexualidad y poder. Ella también tiene la capacidad de amar, pero será necesario que pase algo inesperado para que aprenda a adorar a otra persona. Lucy cree estar preparada para ser madre. Su propia madre será fundamental mientras Lucy aprende a cuidar a la hija que siempre ha querido tener. Mother and Child trata de las elecciones que hacemos, las oportunidades que perdemos y el poder del lazo irrompible entre madre e hijo.

"Los destellos de brillantez superan a otros momentos más forzados y las soberbias interpretaciones agregan poderío (...) La historia es mejor cuando se centra en los hilos que forman el intrincado tapiz de madres e hijas" (Claudia Puig: USA Today)
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"Algunos cínicos la etiquetarán como esquemática, otros la desestimarán por ser una 'película para mujeres'. Ignórelos a todos. 'Mother and Child' es una película impecable, de desgarrador realismo, sobre el eterno vínculo que une a los padres con los hijos" (Rex Reed: The New York Observer)
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"Precisa y milagrosa interpretación de unas actrices en estado de gracia (...) García hurga en las texturas del melodrama con una exquisitez y una astucia magistrales (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"García mueve bien las piezas, aunque incurre en un ternurismo ausente en sus primeras películas. El filme es tan contenido como previsible, con alguna solución de guión impostada. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)
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"Película que está demasiado convencida de su extrema sensibilidad (...) Su discurso sobre la maternidad dista de ser complejo: grandes palabras que disfrazan una ensalada de clichés" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
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"García se propone trascender al personaje y confeccionar una historia más elaborada, algo que hace sin suerte: los mimbres que unen a los personajes no están bien trenzados y algunas soluciones resultan forzadas" (Desirée de Fez: Fotogramas)

Estrenamos... The Open Road (2008)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Michael Meredith
Reparto: Justin Timberlake, Jeff Bridges, Mary Steenburgen, Harry Dean Stanton, Kate Mara, Allen O. Battle III, Tamera Bennett, Paxton Brown, Geraldine Glenn
Guión: Michael Meredith
Música: Christopher Lennertz
Fotografía: Yaron Orbach


Sinopsis: Tras enfermar su mujer, una leyenda del béisbol emprende un viaje por carretera, junto a su hijo y la novia de éste, con el fin de que ambos hombres se reconcilien y dejen atrás sus diferencias.

Estrenamos... Io sono l'amore (Yo soy el amor) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Italia
Director: Luca Guadagnino
Reparto: Tilda Swinton, Flavio Parenti, Edoardo Gabbriellini, Alba Rohrwacher, Pippo Delbono, Diane Fleri, Maria Paiato, Marisa Berenson, Waris Ahluwalia, Gabriele Ferzetti
Guión: Luca Guadagnino, Barbara Alberti, Ivan Cotroneo, Walter Fasano
Música: John Adams
Fotografía: Yorick Le Saux

Sinopsis: La casa de la rica familia Recchi, en Milán, está llena de espejos, flores, dinero y frialdad. La saga está compuesta por Eduardo Tancredi y su mujer Emma (Tilda Swinton), inmigrante rusa plenamente integrada en la cultura milanesa, sus hijos Elisabetta, Edoardo y Gianluca, los compañeros y prometidos de estos, los abuelos, el linaje y las futuras generaciones celebran entre habitaciones y pasillos, jardines cubiertos de nieve y las espaciosas cocinas de Villa Recchi la sucesión y entrega del negocio familiar y la consolidación, una consolidación progresiva de los papeles que cada vez es más temida pues son conscientes de la clase a la que pertenecen la gran burguesía industrial de Lombardía. El joven cocinero Antonio, completamente ajeno a este mundo y no muy inclinado al compromiso, condensa emociones en platos que no deberían estar en la tradición culinaria de la familia. Tanto Emma como Antonio son personajes que no encajan en el universo al que pertenecen y la pasión desemboca en una colisión que hará que ambos rompan con todas las ataduras y entren en contacto directo con la naturaleza. Gracias a esto Antonio encuentra la inspiración para sus creaciones; gracias a esto Emma consigue distanciarse y crear una nueva identidad. El precio a pagar es desorbitante y solo hay un remedio: el amor.

"Un majestuoso, rico y conmovedor melodrama italiano con el espíritu de Visconti. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Damon Wise: Empire)
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"Una película asombrosa. Es profunda, rica, humana. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Una película soberbia, sorprendente, con la mirada fija en la obra de Visconti (...) Y sin embargo no puede ser más moderna, más arriesgada" (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Visconti y Antonioni ya tienen un heredero (...) el film es un auténtico regalo para los sentidos (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

Estrenamos... Lourdes (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Austria
Director: Jessica Hausner
Reparto: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini, Gilette Barbier, Walter Benn, Hubert Kramar, Gerhard Liebmann, Orsolya Tóth, Irma Wagner, Jackie Wulf
Guión: Jessica Hausner
Fotografía: Martin Gschlacht

Sinopsis: Christine (Sylvie Testud) es una mujer discapacitada que lleva casi toda la vida en una silla de ruedas. En un intento de escapar de su aislamiento, viaja a Lourdes, el emblemático lugar de peregrinaje en los Pirineos. Christine acude en busca de consuelo, quizá de un milagro. Se despierta una buena mañana y está curada. Al parecer, es un milagro. El cabeza del grupo de peregrinos, un apuesto voluntario de la Orden de Malta, empieza a interesarse por ella. Se aferra a esta nueva oportunidad, aunque su cura provoca la envidia y la admiración de muchos.

“Con lucidez y sobriedad (...) Está bien descrito ese universo, sin sarcasmo facilón, con inteligencia y piedad, pero mi agnosticismo se siente demasiado alejado del tema." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Nada es previsible. (...) Con un pulso entre tierno y marciano, la realizadora construye una fábula cruel de la religión, la esperanza y, ya que estamos, la vida. Milagrosa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Interesante obra (...) Perturbadora en su análisis del comportamiento humano (...) y gélida en el dibujo del periplo de una joven enferma" (Javier Ocaña: Diario El País)

Estrenamos... The Last Station (La última estación) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Reino Unido
Director: Michael Hoffman
Reparto: Christopher Plummer, Paul Giamatti, James McAvoy, Helen Mirren, Anne-Marie Duff, Kerry Condon
Guión: Michael Hoffman (Novela: Jay Parini)
Música: Sergei Yevtushenko
Fotografía: Sebastian Edschmid

Sinopsis: Drama histórico y biográfico sobre el legendario escritor ruso Leo Tolstói (Christopher Plummer), su mujer Sofya Tolstói (Helen Mirren), y Valentin Bulgakov (James McAvoy), discípulo aventajado de su marido, en un momento de efervescencia del pueblo ruso. El film ilustra además la batalla del autor para encontrar un punto intermedio entre la fama y el compromiso con una vida sin materialismos.

2009: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Mirren), actor secundario (Plummer)
2009: 2 nominaciones al Globos de Oro: Actriz drama (Mirren), actor sec. (Plummer)

"Cada segundo en el que Helen Mirren aparece en pantalla, es un estudio de un talento sin parangón" (Claudia Puig: USA Today)
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"La película es al mismo tiempo un ardiente enfrentamiento matrimonial y un gélido debate político, una "Guerra y Paz" en versión doméstica (...) un drama histórico enormemente entretenido" (Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly)
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"Película más interesante que conseguida (...) Hoffman nunca resta con su puesta en escena, montaje y utilización musical, pero es incapaz de sumar." (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Hoffman (...) simplifica la situación, no sin elegancia. (...) Los actores son fabulosos (...) pero una vez expuestas sus inquietudes, la acción se detiene, suenan los violines y el espectador se adormece. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC

Estrenamos... Largo Winch (2008)

Información de interés:

Nacionalidad: Francia
Director: Jérôme Salle
Reparto: Tomer Sisley, Kristin Scott Thomas, Karel Roden, Steven Waddington, Miki Manojlovic, Mélanie Thierry, Benedict Wong, Anne Consigny, Elizabeth Bennett, Ivan Marevich Gilbert Melki
Guión: Julien Rappeneau, Jérôme Salle (Cómic: Philippe Francq, Jean Van Hamme)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Denis Rouden

Sinopsis: Largometraje basado en el cómic creado por el autor belga Jean Van Hamme. La trama parte de la sospechosa muerte de Nerio Winch, fundador y accionista de una gran empresa. El multimillonario no tenia familia, así que empezarán los problemas con su herencia, pero Nerio había adoptado en secreto hace muchos años a un niño bosnio de nombre Largo, que de repente se encontrará al frente de un imperio financiero a la vez que ha de enfrentarse a la conspiración de la muerte de su padre.

Estrenamos... The Blind Side (Un sueño posible) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: John Lee Hancock
Reparto: Sandra Bullock, Quinton Aaron, Tim McGraw, Jae Head, Lily Collins, Kathy Bates, Kim Dickens, Ray McKinnon, Rhoda Griffis, Catherine Dyer, Andy Stahl, Tom Nowicki, Libby Whittemore
Guión: John Lee Hancock (Libro: Michael Lewis)
Música: Carter Burwell
Fotografía: Alar Kivilo

Sinopsis: Basada en hechos reales, narra la historia de Michael Oher, un joven afroamericano sin hogar que encuentra ayuda y cobijo en una familia blanca, dispuesta a prestarle el apoyo necesario para que pueda desarrollar todo su potencial, tanto para triunfar como jugador de fútbol americano como en la vida. Por su parte Oher también influirá en la vida de los miembros de la familia Touhy, que atravesarán también por experiencias de descubrimiento personal. El cambio de ambiente significa también nuevos desafíos que el joven habrá de vencer, esforzándose por dar lo máximo de sí mismo como deportista y como persona.

2009: Oscar: Mejor actriz (Sandra Bullock). 2 nominaciones: película y actriz
2009: Globo de Oro: Mejor actriz - drama (Sandra Bullock)

Un inesperado y enorme éxito de taquilla, el film costó 29 millones de dólares, y en pocos meses superó los 255 millones de dólares en el Box Office USA, convirtiendo a Sandra Bullock en la primera actriz en superar los 200 millones por una película protagonizada por una mujer. (FILMAFFINITY)
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"Fiel a su directa y desarmante realidad de su experiencia, la película tiene una obvia ausencia de sentimentalismo barato, que la salva de ser sensiblera o dulzona. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Ann Hornaday: The Washington Post)
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"Otro estimulante y placentero drama de deportes basado en hechos reales. (...) el film, atractivamente presentado, ocasionalmente corre el riesgo de forzar su credibilidad -o, peor, de invitar al escepticismo-." (Joe Leydon: Variety)
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"Tiene buenas actuaciones y emocionantes escenas de fútbol. Pero su superficialidad la aparta de la conmovedora historia que podría haber sido. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)
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"Que semejante pastel, mentiroso, melifluo y fariseo formara parte de la noche de los Oscar demuestra que Hollywood se dirige hacia su suicidio artístico, industrial y ético" (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Bullock (...) construye un personaje de tal intensidad y fortaleza que arrastra con ella cualquiera de las varias debilidades de «Un sueño posible», una historia empapada de trivialidad emocional donde debiera de haber pura y dura emoción. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Flagrante muestra de autoindulgencia burguesa y racismo disfrazado de paternalismo caritativo (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)
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"Sandra Bullock tampoco se sale del guión: su interpretación se nutre de los clichés del drama de autosuperación, heroína modelo de un telefilme enfermo de condescendencia." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
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"Espíritu de telefilme. (...) melodrama empalagoso (...) múltiples situaciones pensadas únicamente para provocar la lágrima fácil (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Estrenamos... Dorian Gray (El retrato de Dorian Gray) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Reino Unido Director: Oliver Parker
Reparto: Ben Barnes, Colin Firth, Rebecca Hall, Rachel Hurd-Wood, Ben Chaplin, Emilia Fox, Caroline Goodall, Fiona Shaw, Maryam d'Abo, Douglas Henshall, Michael Culkin, Johnny Harris
Guión: Toby Finlay
Música: Charlie Mole
Fotografía: Roger Pratt

Sinopsis: Dorian Gray (Ben Barnes) es un atractivo aristócrata que, habiendo heredado una mansión, regresa a su Londres natal tras pasar la adolescencia aislado en el campo. Abrumado por la vida nocturna londinense, Dorian se sumerge en ella de la mano de Lord Henry Wottom (Colin Firth), quien le muestra los lugares más recónditos y peculiares de la capital inglesa. Allí pronto Dorian queda seducido por el estilo de vida decadente de Wotton, ajeno a toda moral, al tiempo que comienza a obsesionarse con alcanzar la eterna juventud. Un retrato suyo pintado por un amigo suyo, el artista Basil Hallward (Ben Chaplin), se convertirá en un recordatorio palpable de sus graves faltas con el paso del tiempo. A diferencia del resto de los mortales, el apuesto Dorian permanece impasible al sucederse los años y es el retrato en cambio, el que envejece y asume su degradación física y moral…

"La película de Parker carece de estilo (...) El clímax, en el que el cineasta se abona a las más gastadas retóricas de un cine de terror indigno de tal nombre, da la perfecta medida del nivel de la operación" (Jordi Costa: Diario El País)
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"Brocha gorda y marco mejorable. (...) puesta en escena de macramé y con olor a naftalina (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)
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"Parker despliega un arsenal de efectismos, (...) convierte el esquivo y serpenteante relato original en un simplificado cuento de monstruos y fantasmas. (...) Notable Colin Firth (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)
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"Oscila con desequilibrio entre el terror y el retrato de la época victoriana sobre los que se asienta la novela. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

Estrenamos... Fatso (2008)

Información de interés:

Nacionalidad: Noruega
Director: Arild Fröhlich
Reparto: Nils Jørgen Kaalstad, Josefin Ljungman, Kyrre Hellum, Jenny Skavlan, Lisa Loven
Guión: Arild Fröhlich, Lars Gudmestad (Novela: Lars Ramslie)
Música: Kåre Vestrheim
Fotografía: Askild Edvardsen

Sinopsis: Rino Hanssen es un virginal y agorafóbico porno adicto que todavía vive con su padre a sus 30 años. Su único amigo es un odioso y asmático perdedor llamado Filip (Kyrre Hellum). Las circunstancias van a cambiar bastante cuando el padre de Rino opta por alquilar una de las habitaciones de su apartamento a una hermosa joven libre de espíritu llamada Malin. Tan libre de espíritu que ella encuentra sentido a la vida a través de relaciones sexuales constantes y de una vida silvestre. Rino se encontrará de golpe fuera del caparazón en el que vivia y en un mundo que ha tratado de evitar la vida real. Será una transición sumamente difícil para Rino...

Estrenamos... Ashes of time Redux (1994-2008)

Información de interés:

Nacionalidad: China
Director: Wong Kar-wai
Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung Ka Fai, Brigitte Lin Ching-hsia, Tony Leung Chiu Wai, Jacky Cheung, Karina Lau
Guión: Wong Kar-wai
Música: Frankie Chan
Fotografía: Christopher Doyle
Sinopsis: "Ashes of time redux" se centra en la historia de un hombre llamado Ouyang Feng (Leslie Cheung). Desde que la mujer a la que amaba le rechazó en favor de su hermano mayor, Ouyang ha vivido en el desierto contratando expertos guerreros para llevar a cabo asesinatos por encargo. Su corazón herido le ha convertido en alguien sin piedad y en un cínico, pero sus encuentros con amigos, clientes y futuros enemigos, le harán ser consciente de su propia soledad. "Ashes of time redux" es la nueva versión de la película más ambiciosa y hasta ahora desconocida de Wong Kar-wai rodada en 1994. Para esta definitiva versión, el director ha vuelto a rodar escenas, ha replanteado la estructura de la historia, ha añadido efectos especiales y una nueva banda sonora.

1994: Venecia: Mejor fotografía (Christopher Doyle).
1995: Academia de cine de Hong Kong: Mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor maquillaje y vestuario. 9 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión

"Visualmente es grande, y todos los personajes saben lo que hacen, aunque nosotros no. Wong Kar-Wai no proporciona a su argumento un motor narrativo que nos atraiga. (...) Puntuación: ** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Una imagen sorprendente de su fotógrafo habitual, Christophe Doyle, que hace que los colores hablen y los espacios (desérticos) piensen. (...) una historia de héroes y mitos, de épica y de luchas, de rostros y sentimientos inabordables..., pero también una torradera de frases grandilocuentes." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Con tono de leyenda, manifiesto en la voz en off sentenciosa y literaria, y en el carácter de los personajes (...) la historia de romanticismo desaforado es un pretexto para un brillante ejercicio estético. (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

5ª DISTORSIÓN

SAN CLEMENTE (1982)

En el año 1978 se eleva al parlamento italiano el proyecto de la Ley 180, que dejaba fuera de vigencia la antigua ley de 1904. Esta ley establece lo siguiente: se prohíbe la internación de pacientes en hospitales psiquiátricos (por ende la construcción de manicomios es un sin sentido y se promueve la abolición de los ya constituidos); cada región italiana debe implementar un programa de salud que promueva la reinserción social; la construcción de una red de servicios de salud mental en cada región; la recuperación de los derechos civiles; la ruptura en el código italiano de la asociación de locura y peligrosidad y la abolición de las leyes de represión de internación psiquiátrica.

Poco antes de entrar en vigor esta ley, el cineasta francés Raymond Depardon filmó un documento de gran valor histórico y sociológico en el manicomio de San Clemente en Venecia. Equipado con una cámara de 16mm y una sonidista, Depardon deambula con su cámara entre los muros de cemento de San Clemente filmando el devenir de los pacientes que, abandonados a su suerte, viven en sus bucles y paranoias particulares. Realmente los pacientes parecen ser los únicos pobladores de la isla, apenas vemos a los doctores y cuidadores, y es que en San Clemente se palpa la dejadez y la angustia de un sistema mortecino, excluyente y casi penitenciario. No en vano, el documental se abre con una reunión entre doctores y familiares en la que estos critican abiertamente la displicencia del centro hacia los pacientes. Unos pacientes que no existen, que de alguna manera están fuera de este mundo. Destacar la escena en que un grupo de pacientes salen a pasear por las calles de Venecia en pleno carnaval y son fotografiados por un joven francés. Cuando el joven pregunta donde puede enviar las fotos, una de las pacientes solo sabe decir San Clemente, pero no sabe dirección, ni distrito, para ella solo es San Clemente y fuera de sus muros todo es desconocido y volátil.

Depardon demuestra ser un realizador de gran intuición, en sus documentales no hay artificios no diegeticos, no utiliza voz en off, ni siquiera se muestra frente a la cámara como otros documentalistas más egocéntricos. La presencia de Depardon se intuye gracias a las muestras de humanidad de los personajes que se acercan a la cámara voluntariamente y nunca coaccionados por la situación, pues el objetivo de Depardon parece flotar por el espacio, siempre discreto y expectante ante la realidad pura e irrepetible que solo se presenta un segundo ante nosotros. La cámara recoge y muestra, dar un sentido y contextualizar la información que se nos ofrece, es cosa nuestra.

Cerramos este ciclo sobre la locura en el cine con el que creo que es uno de los documentos más impresionantes jamás filmados sobre la locura, no solo mental, sino social e institucional. Un documento para reflexionar sobre los niveles globales de cordura y sobre la discriminación y reclusión de aquello que no entendemos y que nos es ajeno. Una guinda para un pastel que esperamos repetir, pues este viaje a través de los intrincados mecanismos psicológicos humanos es tan alocado y desconocido como nuestra propia existencia, y la resolución de estos enigmas tiene visos de durar mucho, mucho tiempo...

David Rodríguez Muñiz

“Un cuento oriental relata la historia de un hombre que andaba enfrentándose con una serpiente. Un día que nuestro hombre dormía, la serpiente deslizándose por su boca entreabierta fue a colocarse en su estómago y desde allí se dedicó a dictar su voluntad a aquel desgraciado, que, de este modo, se convirtió en su esclavo. El hombre se encontraba a merced de la serpiente: no era dueño de sus actos hasta que, un buen día, el hombre volvió a sentirse libre: la serpiente se había marchado. Pero de repente se dio cuenta de que no sabía qué hacer con su libertad. Durante todo el tiempo en que la serpiente mantuvo sobre él un dominio absoluto, el hombre se acostumbró a someter por completo su voluntad, deseos e impulsos a la voluntad de la serpiente, y por ello había perdido la voluntad de desear, querer y actuar con autonomía. En vez de la libertad, sólo hallaba el vacío… pero con la partida de la serpiente perdió su nueva esencia, adquirida durante su cautividad, y solo fue necesario que aprendiera a reconquistar, poco a poco, el contenido precedente y humano de su vida."

"La analogía entre esta fábula y la condición institucional del enfermo mental es sorprendente: parece ilustrar en forma de parábola, la incorporación por parte del enfermo mental de un enemigo que le destruye con la misma arbitrariedad y la misma violencia que la serpiente de la fábula ejerce para subyugar y destruir al hombre. Pero nuestro encuentro con el enfermo mental nos ha demostrado, además, que en esta sociedad "todos somos esclavos de la serpiente", y que si no intentamos destruirla o vomitarla, llegará el momento en que nunca más podremos recuperar el sentido humano de nuestra vida.”

Marcelo Rodriguez Ceberio (Perceptivas Sistémicas)

Artículo: David Rodriguez Muñiz
Cartel: Esti Zumake

4ª DISTORSIÓN

DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO

En esta cuarta ocasión os ofrecemos la proyección de esta sensacional pieza dramática que emana de la colaboración codo con codo de dos grandes genios de la cinematografía y la literatura. Dirigida por el  prestigioso  Joseph L. Mankiewicz, “De repente, el último verano”  es la adaptación a la pantalla de la obra del célebre novelista Tennessee Williams, quien además participó en la elaboración del  guión cinematográfico junto al también prestigioso escritor Gore Vidal.

Subrayar  para quien no lo sepa que gran parte de la angustiosa obra de Tennessee Williams se nutre de sus experiencias personales. Tanto las situaciones como los personajes de sus novelas suelen corresponder con personas a las que el autor conoció personalmente y con acontecimientos que marcaron su vida. Uno de estos acontecimientos fue la locura que padecía su hermana Rose. El joven Tennessee estaba muy unido a ella a pesar de la esquizofrenia paranoide que padecía y jamás perdonó a sus padres que autorizaran una lobotomía pre frontal  como tratamiento. La operación fue un fracaso y Rose quedó incapacitada para siempre,  pasando el resto de su vida en un hospital mental. Esta  brutal experiencia convirtió la locura en un tema recurrente a lo largo de su carrera,  pero retratando al demente desde un punto de vista cercano y compasivo, como un ser tremendamente angustiado e indefenso ante lo0s demás, y no como a un monstruo peligroso al que hay que encerrar. De esta terrible vivencia surgen obras tan grandes como “El zoo de cristal”, la magnífica “Un tranvía llamado Deseo” o esta que nos ocupa, en la que el autor denuncia la práctica indiscriminada de la lobotomía y cuestiona la ética profesional en la medicina psiquiátrica del momento,  criticando la facilidad con la que se perforaban cráneos para hurgar en algo que todavía hoy, medio siglo después, sigue siendo un gran misterio para el hombre, el cerebro humano.

La historia transcurre en Nueva Orleans en el año 1937. Es un momento prolífico para la psiquiatría ya que la lobotomía se plantea como una novedosa solución para miles de familias que tienen parientes afectados de locura, asegurando  anular con esta intervención las conductas indeseables de los enfermos. La “venerable” Sra. Venable  (Katherine Hepburn), atraída por esta innovadora técnica, propone al joven doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) donar los fondos para un nuevo hospital con la condición de que practique una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor), una delicada y hermosa joven que ha quedado desquiciada tras la repentina muerte durante un viaje por Europa de su primo Sebastian, idolatrado hijo de la Sra. Venable. Los firmes principios del joven doctor, que conoce las terribles consecuencias que conlleva esta intervención en el paciente, le obligan a llevar a cabo una intensa investigación para conocer qué pasó realmente el último verano.

Mankiewicz  recurre a intensos diálogos entre estos tres pesos pesados de la interpretación para sumergir al espectador en el pasado de estos personajes y aclarar el origen de este presente lleno de frustración y oscuras intenciones, en el que auténtico protagonista sigue siendo, a pesar de su ausencia, el enigmático Sebastian. A final de la cinta el director rompe con el discurso y  nos transporta al pasado mediante un feroz flashback  lleno de imágenes impresionantes que rozan el surrealismo, consiguiendo gracias a esto uno de los desenlaces más impactantes de la historia del cine.

Cabe destacar la fantástica fotografía en blanco y negro de Jack Hildyard (ganador del Oscar por El puente sobre el río Kwai  en 1957) y los soberbios decorados del director artístico William Kellner.

Cartel y texto: Esti Zumake

3ª DISTORSIÓN

CORREDOR SIN RETORNO

"Realidad y ficción podrían intercambiarse si los locos fueran mayoría. Se encontraría encerrado en una habitación acolchada pensando qué le había pasado al mundo" así es como Julie Carmen sintetiza la idea de la precaria personalidad humana en la genial "En la boca del miedo" de John Carpenter.

"Corredor sin retorno" trabaja en esa misma dirección y describe círculos alrededor del frágil cisma que impide al hombre encontrar una vara de medir fiable con la que aplicar un axioma o una verdad absoluta en torno a la llamada salud mental. Es lícito pensar que si estuviéramos rodeados de personas que padecen algún tipo de trastorno mental, nuestra propia percepción de la realidad se vería irremediablemente trastocada. Samuel Fuller nos presenta a un protagonista dispuesto a asumir ese papel de cobaya, y como científico inexperto se adentra, por cuestiones no excesivamente éticas, en el terreno resbaladizo de un manicomio: ya no como ente transparente y responsable de su propio ego sino como paciente, utiliza un disfraz para poder penetrar en ese lugar ajeno a su vida cotidiana, con la intención de ser tratado como lo que no es, o al menos, como lo que cree que no es, un loco.

Corredor sin retorno, Espiga de Oro en el festival de Valladolid de 1963, es a la vez todo un alegato contra la ceguera de la medicina mental de la época y una irónica visión de la sociedad estadounidense, víctima de miedos, manías persecutorias y de una melancólica y un tanto errónea visión acerca de la formación de un país tan grande y joven, forjado con balas y polvo. Destacan en la película pacientes trastocados por inciertos ideales patrióticos, como el hombre que cree vivir aún en plena guerra de secesión o el personaje que dice haber sido el fundador del Ku Klux Klan, algo entendible si se tratase de un hombre blanco nacido en Tejas pero no tanto si se trata de un negro. Así, Samuel Fuller va creando una cadena de significantes dentro de ese micromundo que es el manicomio sin ofrecer significados concretos, dejando que su particular Alicia en el país de las maravillas nos paralice los sentidos mientras vemos cómo nuestro Edipo se hunde cada vez más en el lodo de su propio destino, en el insomnio de alguien que quiere dormir, pero que ya lo ha olvidado.

Por encima de todas las virtudes que pueda tener esta arriesgada película de serie B, destacar la excelente interpretación de los actores, en especial de Peter Breck, cuyo rol de periodista es el único papel protagonista de su carrera, el de Constance Towers, que ya trabajara con Fuller en "Naked Kiss" y el de Larry Tucker interpretando a un enorme italo-americano adicto a los conciertos de ópera nocturnos.

Con todo, "Corredor sin retorno" se presenta como una inquietante e irónica muestra de cine moderno, abierta a reinterpretaciones en estos tiempos de sobresaturada impaciencia y de loca insatisfacción.

Artículo: David Rodriguez Muñiz

Cartel: Esti Zumake

2ª DISTORSIÓN

SHUTTER ISLAND

Impregnada de los ambientes pesimistas y tétricos cultivados por escritores como Kafka, Poe o Camus y con reminiscencias estéticas del Bosco, Shutter Island, adaptación de la novela de Dennis Lehane (Mistic River), se presenta a priori como una película de cine negro, sin embargo el truculento desarrollo de la trama hace al film tomar otros derroteros. El detective Teddy Daniels acude a la institución mental de Ashecliffe para investigar la misteriosa desaparición de una de sus pacientes, tras la cual pueden encontrarse algunos organismos oficiales. Ni que decir tiene que la institución y el propio detective guardan más secretos de los que aparentan en una primera toma de contacto. A partir de esta premisa se desarrolla un pesadillesco thriller donde el espacio se modela a cinceladas agresivas hasta crear una malsana tensión que solo se ve apaciguada al final del relato.

Dirigida por el historiador de cine y consolidado director de "Taxi driver" y "Toro salvaje", "Shutter Island" cabalga continuamente entre dos mundos, entre dos realidades y entre los múltiples puntos de vista que se le ofrecen al espectador. Es una película inquietante y cínica que se enturbia por momentos y en la que lo que parece, nunca o casi nunca es lo que realmente es. Una película que juega con el flashback y la alucinación para dar pequeñas pistas al espectador a la vez que ayudan a desubicarlo un poco más, así de contradictorio es este film que cuenta con unas interpretaciones de lujo, entre ellas las de Leonardo DiCaprio, Ben Kingsley o el fetiche masculino de Bergman, Max Von Sydow.

La trama se desarrolla en una época no menos inestable que su propio espacio de acción. Hablamos de los años 50, cuando aun se podían oler los restos de la II guerra mundial y la conspiración y la paranoia iban engordando lo que vendría a llamarse guerra fría. La mente de muchos hombres y mujeres se empobrecía y se anquilosada en años pasados y traumáticos y la medicina psíquica del momento, lejos de ayudar a los pacientes con terapias moderadas, hacinaban a los enfermos en oscuras galerías cuyas bombillas tintineaban debido al uso de electroshocks.  Significativo es también que el edificio Ashecliffe se ubique en una isla totalmente apartada de tierra firme, recurso más realista de lo que se puede interpretar al ver una ficción cinematográfica, pues bien conocido era el manicomio de San Clemente en Venecia cerrado tras la validación en Italia en 1978 de la ley 180.

Shutter Island supone una delicia contemporánea que formalmente hablando, se construye como un film artesanal y desprovisto de alardes infográficos, una película a la altura de los grandes clásicos norteamericanos de mediados de los 50.


David Rodriguez Muñiz


Cartel: Esti Zumake

1ª DISTORSIÓN

Miércoles 13 21:00

EL QUIMÉRICO INQUILINO (THE TENANT)

El miércoles 13 de octubre Lumiere & Lumiere inaugura el ciclo “Cinedistorsión” con una inclasificable y arriesgada película de Roman Polanski. “El quimérico inquilino” rodada en 1976 y estrenada en el festival de Cannes el mismo año en el que “Taxi driver” se hizo con la palma de oro, fue considerada en su momento como un fracaso de público y crítica, sin embargo el tiempo ha colocado en su sitio esta retorcida visión sobre la locura y la obsesión y hoy está considerada uno de los mayores aciertos en la carrera del realizador polaco.

Basada en la novela del polifacético y surrealista Roland Topor (fundador junto con Jodorowski y Arrabal del grupo pánico) “Le locataire quimerique” cuenta el infausto devenir de Trelkovski, un inmigrante polaco que alquila un apartamento en la parisina rue Piyrénées. Poco a poco, las relaciones con los vecinos y su obsesión por la trágica desaparición de la antigua inquilina, le irán sumergiendo en una espiral de extrañas visiones, recelos y malentendidos que harán de su vida una grotesca trampa que adquiere las precisas dimensiones de un agobiante apartamento.

Pocos como Roman Polanski, que vivió en primera persona la deportación de miles de judíos a los campos de concentración nazis, han sabido radiografiar con tanta precisión los intrincados laberintos de la mente humana y de condensar en espacios casi ínfimos la realidad distorsionada de un enfermo mental, el inquietante drama que se produce cuando la realidad y la ficción se funden como oleos en un lienzo.

Destacar también la excelente fotografía del film a manos de Sven Nysvist (Persona), los laberínticos decorados del edificio decimonónico donde se desarrolla la acción, la ténebre y melancólica musica de Philipe Sardé y la perfecta planificación técnica de este relato cíclico que pone manifiesto la terrible idea de la historia circular, del eterno retorno del tormento.

“Una historia de terror realmente actual, tan estrechamente enrollada sobre sí misma, tan fría y mortal como una serpiente en la cama.” _John Collier_


Cartel y texto David Rodríguez Muñiz

Ya ha comenzado... Hasta el día 30 de Noviembre del 2010 CINEDISTORSIÓN: 5 Proyecciones y 40 Títulos en alquiler sobre Locura en el Cine

Ciclo CINEDISTORSIÓN: Títulos en alquiler

Listado de títulos en alquiler del ciclo Cinedistorsión: La locura en el cine

Listado de los títulos del ciclo de Octubre 2010

CINEDISTORSIÓN
CICLO
"La locura en el cine"

1. Shutter Island (Martin Scorsese, 2010) Novedad
2. Equus (Sidney Lumet, 1977) Novedad
3. El viaje de Felicia (Atom Egoyan, 1999) Novedad
4. Como en un espejo (Ingmar Bergman, 1961) Novedad
5. De repente el último verano (Joseph L. Mankiewicz, 1959) Novedad
6. Las tres caras de Eva (Nunnally Johnson, 1957) Novedad
7. La escalera de Jacob (Adrian Lyne, 1990) Novedad
8. Arropiero, el vagabundo de la muerte (Carles Balagué, 2008) Documental Novedad
9. LT22 Radio la Colifata (Carlos Larrondo, 2007) Documental Novedad
10. San Clemente (Raymond Depardon, 1980) Documental Novedad
11. The Devil & Daniel Johnston (Jeff Feuerzeig, 2005) Documental
12. Más allá del espejo (Joaquín Jordá, 2006) Documental
13. 1% esquizofrenia (Ione Hernández, 2006) Documental
14. El maquinista (Brad Anderson, 2004)
15. Gozu: Camino hacia la locura (Takashi Miike, 2003)
16. Spider (David Cronenberg, 2002)
17. Elling (Petter Naess, 2001)
18. Memento (Christopher Nolan, 2000)
19. El club de la lucha (David Fincher, 1999)
20. Inocencia interrumpida (James Mangold, 1999)
21. Shine (Scott Hicks, 1996)
22. 12 monos (Terry Gilliam, 1995)
23. La locura del Rey Jorge (Nicholas Hytner, 1994)
24. Don Quijote de Orson Welles (Orson Welles, 1992)
25. Leolo (Jean-Claude Lauzon, 1992)
26. El rey pescador (Terry Gilliam, 1991)
27. Misery (Rob Reiner, 1990)
28. Birdy (Alan Parker, 1984)
29. Calígula (Tinto Brass, 1979)
30. El quimérico inquilino (Roman Polanski, 1976)
31. Alguien voló sobre el nido del cuco (Milos Forman, 1975)
32. Aguirre, la cólera de Dios (Werner Herzog, 1972)
33. El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970)
34. La hora del lobo (Ingmar Bergman, 1967)
35. Repulsión (Roman Polanski, 1965)
36. Corredor sin retorno (Samuel Fuller, 1963)
37. Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960)
38. Él (Luis Buñuel, 1953)
39. El invisible Harvey (Henry Koster, 1950)
40. El gabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)

• Tarifas de alquiler 1.50 €/día
• Bonos de 10 películas 10 €
  

CINEDISTORSIÓN: Proyecciones

1ª DISTORSIÓN

Miércoles 13 21:00 (3 euros: butaca + consumición)

EL QUIMÉRICO INQUILINO (THE TENANT)

El miércoles 13 de octubre Lumiere & Lumiere inaugura el ciclo “Cinedistorsión” con una inclasificable y arriesgada película de Roman Polanski. “El quimérico inquilino” rodada en 1976 y estrenada en el festival de Cannes el mismo año en el que “Taxi driver” se hizo con la palma de oro, fue considerada en su momento como un fracaso de público y crítica, sin embargo el tiempo ha colocado en su sitio esta retorcida visión sobre la locura y la obsesión y hoy está considerada uno de los mayores aciertos en la carrera del realizador polaco.

Basada en la novela del polifacético y surrealista Roland Topor (fundador junto con Jodorowski y Arrabal del grupo pánico) “Le locataire quimerique” cuenta el infausto devenir de Trelkovski, un inmigrante polaco que alquila un apartamento en la parisina rue Piyrénées. Poco a poco, las relaciones con los vecinos y su obsesión por la trágica desaparición de la antigua inquilina, le irán sumergiendo en una espiral de extrañas visiones, recelos y malentendidos que harán de su vida una grotesca trampa que adquiere las precisas dimensiones de un agobiante apartamento.

Pocos como Roman Polanski, que vivió en primera persona la deportación de miles de judíos a los campos de concentración nazis, han sabido radiografiar con tanta precisión los intrincados laberintos de la mente humana y de condensar en espacios casi ínfimos la realidad distorsionada de un enfermo mental, el inquietante drama que se produce cuando la realidad y la ficción se funden como oleos en un lienzo.

Destacar también la excelente fotografía del film a manos de Sven Nysvist (Persona), los laberínticos decorados del edificio decimonónico donde se desarrolla la acción, la ténebre y melancólica musica de Philipe Sardé y la perfecta planificación técnica de este relato cíclico que pone manifiesto la terrible idea de la historia circular, del eterno retorno del tormento.

“Una historia de terror realmente actual, tan estrechamente enrollada sobre sí misma, tan fría y mortal como una serpiente en la cama.” _John Collier_

David Rodríguez Muñiz

Estrenamos... Kynodontas (Canino) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Grecia
Director: Giorgos Lanthimos
Reparto: Christos Stergioglou, Michelle Valley, Aggeliki Papoulia, Mary Tsoni, Hristos Passalis, Anna Kalaitzidou
Guión: Efthymis Filippou, Giorgos Lanthimos
Fotografía: Thimios Bakatatakis
Sinopsis: Un padre, la madre y sus tres hijos viven en una mansión a las afueras de una ciudad. Hay un cercado muy alto que rodea la casa, y los chicos nunca han salido de ella. Están siendo educados, entretenidos, aburridos y ejercitados con los métodos que sus padres juzgan apropiados, sin ninguna influencia del mundo exterior. Creen que los aviones que pasan volando son juguetes, o que el mar es un tipo de silla forrada de cuero. La única persona a la que se le permite entrar en la casa es Christine, que trabaja como guardia de seguridad en la fábrica del padre. Éste le hace visitar la casa para saciar las necesidades sexuales del hijo.

2009: Cannes: Premio "Una cierta mirada" (Un certain regard)

"Tan angustiosa como con sentido del humor, este premiado viaje de Lanthimos a las tinieblas del corazón de una familia es resueltamente preciso, invitando a la reflexión. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Philip Wilding: Empire)
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"El director Yorgos Lanthimos cree en el diálogo y el sonido minimalista y la ironía extrema. 'Canino' no es para todo el mundo, pero encantará a los aventureros" (V.A. Musetto: New York Post)
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"Extraña, áspera y agresiva película (...) Su habilidad para describir la lógica secreta de un universo enfermizo (...) revela en Lanthimos a un delicado orfebre de materiales oscuros, con un meritorio manejo del humor negro." (Jordi Costa: Diario El País)
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"Puede parecer tediosa, exagerada (...) De acuerdo. Pero espere un par de días y verá cómo le ha mutado la criaturita en alguna cavidad interna oscura y húmeda. Dos consejos, pues: no se la pierda, y ojo a quién se la recomienda (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Javier Cortijo: Diario ABC)
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"Es, sin duda, una de las apuestas más divertidas, insólitas y novedosas del cine europeo contemporáneo. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Nuria Vidal: Fotogramas)
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"Desconcertante película, tan deudora del mundo de Buñuel como del de Pasolini (...) Es premeditadamente excéntrica, y muerde donde más duele." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

Estrenamos... Mammoth (Mamut) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Suecia
Director: Lukas Moodysson
Reparto: Gael García Bernal, Michelle Williams, Marife Necesito, Sophie Nyweide, Thomas McCarthy, Natthamonkarn Srinikornchot, Jan David G. Nicdao, Martin Delos Santos, Maria Esmeralda del Carmen
Guión: Lukas Moodysson
Música: Jesper Kurlandsky, Erik Holmquist, Linus Gierta
Fotografía: Marcel Zyskind

Sinopsis: Película ambientada en varios escenarios internacionales: Estados Unidos, Tailandia y Filipinas. Leo es un hombre que ha alcanzado el éxito en la industria de los videojuegos. Y Ellen, su mujer, trabaja como médico. Ambos viven en Nueva York con su hija pequeña, que, debido a que sus padres están absortos en sus respectivos trabajos, pasa la mayor parte del tiempo con una nanny llamada Gloria, asunto que preocupa en gran medida a Ellen, temerosa de perder el cariño de la pequeña. Un día, y debido a un asunto de negocios, Leo deberá realizar un viaje al extranjero, y a partir de ese momento tendrá lugar un cúmulo de hechos que afectarán de forma profunda a su vida familiar.

"Otro sermón cinematográfico en la línea de 'Crash' y 'Babel' (...) Cualquier apariencia de sutileza se perdió desgraciadamente en la traducción" (Lou Lumenick: New York Post)
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"Lo que le ocurre a esta gente no logra hacerse contagioso para mí. Cine plano y de propósitos indescifrables." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Predecible en su gravedad bienpensante y multilingüística (...) Exquisito en lo plástico-escénico, (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Antonio Trashorras: Fotogramas)
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"Con un discurso interesante, que sólo se diluye por algún exceso de obviedad. (...) Las virtudes del filme superan en cualquier caso los detalles criticables. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)
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"Mamut es la Babel (2006) particular del cineasta sueco: menos tremendista, más sentimental, pero igualmente mentirosa, parcial, manipuladora e inútil." (Jordi Costa: Diario El País)
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"Moodysson prefiere lanzarnos la culpa a la cara (...) disfrazar pequeñas ironías y verdades perogrullescas de revelaciones profundas a través de montajes paralelos (...) de diálogos toscos (...) y de miradas melancólicas (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

Estrenamos... Iron Man 2 (2010)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Jon Favreau
Reparto: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Mickey Rourke, Sam Rockwell, Samuel L. Jackson, Paul Bettany, Jon Favreau
Guión: Justin Theroux (Personajes: Stan Lee)
Música: John Debney
Fotografía: Matthew Libatique

Sinopsis: En 'Iron Man 2' el mundo sabe que el multimillonario Tony Stark (Robert Downey Jr.) es Iron Man, el superhéroe enmascarado. Sometido a presiones por parte del gobierno, la prensa y la opinión pública para que comparta su tecnología con el ejército, Tony es reacio a desvelar los secretos de la armadura de Iron Man porque teme que esa información pueda caer en manos indeseables. Con Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y James “Rhodey” Rhodes (Don Cheadle) a su lado, Tony forja alianzas nuevas y se enfrenta a nuevas y poderosas fuerzas.

"Todo lo divertido y excitante de 'Iron Man' (...) ha desaparecido en su secuela. En su lugar, 'Iron Man 2' lo ha sustuido con ruido, confusión, múltiples villanos, irrelevantes acrobacias y un historia mal llevada." (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
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"Rourke y Rockwell resultan ser unos buenos y complementarios villanos, y Downey Jr. de nuevo se sale. Una pena que esta secuela se sienta insustancial, sobrecargada y un poco, digamos, mecánica. Nada que no puedan corregir para Iron Man 3. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Nick De Semlyen: Empire)
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"'Iron Man 2' sufre el mismo destino que la mayoría de las secuelas. Mientras la primera película resultaba pletórica y ocasionalmente inspirada (...) la segunda parte se percibe mucho más industrial y obligada a cumplir" (Brian Lowry: Variety)
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"Las buenas noticias son que Iron Man ha vuelto. Las malas, que trae demasiada compañía (...) La película cede bajo el peso de una historia excesivamente abarrotada. Los héroes y villanos están metidos con calzador (...)" (Claudia Puig: USA Today)
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"Downey está mejor que nunca, incluso cuando la película le sepulta en un revoltijo innecesario. Demasiados extras, demasiadas subtramas, demasiados villanos del universo Marvel, demasiados ejércitos de hierro estruendosos (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Una brillante secuela, no tan buena como la original pero asentada de nuevo sobre otra peculiar interpretación de Robert Downey Jr. (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Primer tercio sorprendente (...) un luminoso espectáculo, con ácidas críticas (...) Sin embargo, sólo es un espejismo (...) Llegada la batalla contra el mal, todo es obvio, reiterativo, tedioso y mil veces visto" (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Entretiene compulsivamente y no defrauda, pero creemos recordar que Downey Jr. chasqueaba mejor los dedos hace un par de años. Aquí se limita a agitar el super-sonajero. (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Javier Cortijo: Diario ABC)
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En USA consiguió en su estreno 133 millones de dólares, la 5º mejor recaudación en el primer fin de semana de todos los tiempos -tan sólo por detrás de "El caballero oscuro" (The Dark Knight) con 158 millones, Spiderman 3, Twilight: New Moon y Piratas del Caribe 2-.

Estrenamos... Law Abiding Citizen (Un ciudadano ejemplar) (2009)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: F. Gary Gray
Reparto: Gerard Butler, Jamie Foxx, Colm Meaney, Michael Gambon, Leslie Bibb, Josh Stewart, Viola Davis, Bruce McGill, Regina Hall, Annie Corley
Guión: Kurt Wimmer
Música: Brian Tyler
Fotografía: Jonathan Sela

Sinopsis: Law Abiding Citizen es la historia de un hombre (Gerard Butler) que, habiéndolo perdido todo, es capaz de cualquier cosa. Es la historia de una venganza, la de un padre y esposo que, diez años atrás, perdió a su mujer y su hija, que fueron brutalmente asesinadas. Ahora los criminales están en la calle por culpa del ayudante del fiscal del distrito (Jamie Foxx) que ha pactado con ellos. Tras descubrirlo, el hombre que perdió a su familia comienza a cometer una serie de asesinatos que nadie parece poder detener...

"Un tenso thriller (...) capaz de generar notable suspense y una sensación de pavor. (...) es una de esas películas que te gustan más en el momento que en retrospectiva. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Entretenimiento 'pulp' que se cree su seriedad. (...) Termina sintiéndose sobreescrita pero escasa de explicaciones, (...) El suspense decae incluso cuando el número de cadáveres aumenta." (Justin Chang: Variety)
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"En un último tercio lamentable, la historia parece una mezcla entre una peli de Chuck Norris y un juguetón divertimento con asesino en serie amante de la originalidad criminal." (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Una trama llena de despropósitos, (...) una dialéctica bastante embadurnada por situaciones que escapan a toda verosimilitud. Pese a todo ello, y precisamente por ese sentido del desvarío, 'Un ciudadano ejemplar' hasta puede caer simpática (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Quim Casas: Diario El Periódico)
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"Interesante puesta en escena pues, si bien para el desarrollo de la misma se haya tenido que hilar muchas puntadas del argumento con alfileres de plástico. (...) Empero, todo se deja ver" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

Estrenamos... Prince of Persia: The Sands of Time (Prince of Persia: Las arenas del tiempo) (2010)

Información de interés:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Mike Newell
Reparto: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Steve Toussaint, Toby Kebbell, Richard Coyle, Ronald Pickup, Reece Ritchie, Gísli Örn Garðarsson
Guión: Boaz Yakin, Jordan Mechner, Carlo Bernard, Doug Miro
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: John Seale

Sinopsis: Ambientada en la Persia medieval, “Prince of Persia” narra la historia de uno de los príncipes de Persia (Jake Gyllenhaal) que une sus fuerzas con la princesa de un reino vecino (Gemma Arterton) con el fin de proteger el secreto de las Arenas del Tiempo y detener al asesino del rey de Persia, el cual pretende retroceder en el tiempo para cambiar una serie de acontecimientos... Adaptación al largometraje de la saga de videojuegos del mismo nombre.

"Entretenida pero sin sustancia. (...) Una elegante, trepidante e inocua aventura que es fácil de ver pero que carece de escala épica." (Ray Bennett: The Hollywood Reporter)
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"'Prince of Persia: Las arenas del tiempo' es suave al tacto, pero se evade de tu mente con demasiada facilidad." (Leslie Felperin: Variety)
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"Su contención puede que disuada a los ávidos de emociones, pero si puedes soportar los diálogos acartonados y la estética estrafalaria, reúne un grado de entretenimiento de un mediano 'Harry Potter'. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Ian Nathan: Empire)
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"En 'Prince of Persia' se echa de menos la sensación de que todas esas carreras, saltos, escaladas y luchas conducen a algo. Los mejores videojuegos te desafían a llegar al siguiente nivel. 'Prince of Persia' se conforma con arañar la superficie" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Una voltereta infinita que mezcla los aires legendarios de 'El ladrón de Bagdad' con los bufidos de 'El rey Escorpión' al servicio de una historieta de traiciones, amoríos y leve delirio hechicero (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)
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"Una feroz tormenta de arena hecha no ya de lugares comunes, sino de pura rutina (...) espectáculo que, sin duda, vale mucho menos de lo que parece haber costado." (Jordi Costa: Diario El País)
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"Aunque luciría más mona con media hora menos de metraje (...) es una cinta de aventuras honesta, multirreferencial, fresca y simpática, además de atractivamente ligera" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)