lunes, 31 de enero de 2011

VIVIR RODANDO de Tom Dicillo (1995)


El cine dentro del cine es una propuesta argumental que ha atraído a numerosos directores y a otros tantos espectadores, que observan con curiosidad la construcción de una película y los entresijos de un rodaje (por más que se trate de una ficción). Es una forma directa y transparente de referirse a la propia naturaleza del medio, un camino que no ha dejado de explorarse desde el día en que a Buster Keaton se le ocurrió entrar dentro de una pantalla de cine en El Moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr. , Buster Keaton, 1924) y que alcanzó una de sus cumbres cuando, en Irma Vep (Oliver Assayas, 1996) se nos planteó la posibilidad de volver a filmar, de resucitar, unas imágenes con casi un siglo de historia a las puertas del nuevo milenio.

Las intenciones de Tom DiCillo en su segunda película tenían, quizás, una naturaleza más terrenal: eran la simple plasmación de la angustia que había experimentado durante el rodaje de Johnny Suede (1991). El esfuerzo, el tesón, que se necesita para sacar adelante un proyecto, para rodar un simple plano, y la fragilidad de un andamiaje que se tambalea a voluntad de las leyes del caos. Para ello adopta una tonalidad cómica que acabará por convertirse en su sello autoral, con momentos colindantes con el absurdo o incluso lo puramente desquiciado (no en vano gran parte del metraje corresponde a los sueños/pesadillas de diversos personajes), aunque sin llegar a la brutal negritud de su contemporánea Guns on the Clackamas: A Documentary (Bill Plympton, 1995). Tomando como protagonistas al director de una película independiente (Steve Buscemi, quien también se ha colocado detrás de la cámara en alguna ocasión) y su actriz protagonista (Catherine Keener, actriz fetiche de DiCillo), rodeados de una variopinta fauna humana en la que destaca el director de fotografía encarnado por Dermot Mulroney, apodado, por algún motivo que se escapa a nuestro conocimiento y comprensión, Lobo. Bombillas que estallan, actores que olvidan sus líneas, sonidos que se filtran desde el exterior, micros que entran en cámara... Pequeños accidentes que, aisladamente, no serían gran cosa, pero que al encadenarse conforman una autentica catástrofe capaz de minar los nervios, la moral y la confianza de todo un equipo, una familia creativa que casi parece una versión en negativo del dream team de Cassavettes, cuyos vínculos quedan en entredicho, porque cada uno de sus miembros acaba preocupándose por sus intereses.



Pero DiCillo no es, en el fondo, tan fiero, y Vivir Rodando es, también, un canto de amor a la independencia, a una forma de hacer cine guerrillera, amenazada por la sombra de un Hollywood siempre intrusivo, representado por la figura del actor gilipollas interpretado por James LeGros, que acaba abandonando el rodaje inconsciente tras recibir una soberana (y merecida) paliza. Un instante de euforia indie imposible de producirse hoy en día, ya que coincidió temporalmente con la bonanza creativa y comercial de una generación que incluso llegó a ganar premios de la Academia, y que ahora se ha disuelto en un olvido que ha afectado, y de qué manera, a la distribución y repercusión de los últimos trabajos de cineastas como Hal Hartley o el propio DiCillo, pero que, pese a todo, continúan realizando películas con la misma obstinación de siempre, con mayor o menor fortuna en los resultados, agradeciendo cada plano útil, cada jornada de rodaje que termina sin accidentes, y saboreando satisfecho los silencios durante los cuales el técnico de sonido graba un wild track como pequeños paréntesis de calma y reposo en su lucha diaria. Un conjunto de sensaciones que, en el fondo, une todas las películas, las buenas y también las malas.

Gerard Casau

jueves, 27 de enero de 2011

AMATOR - EL AFICIONADO (1979)


En esta tercera presentación de Obras sempiternas me voy a centrar en el sabio del cine. "Amator" (1979) es la segunda película del gran maestro polaco Krzysztok Kieslowski (El azar, No matarás, La doble vida de Verónica, Azul, Blanco, Rojo, etc). "El aficionado" es sin duda una obra distinta ya que no tiene esa gran complejidad narrativa y estética que hemos visto en sus últimos filmes, sino que se centra más en contar una historia por medio de la sencillez. Esta historia tiene índole autobiográfico, y sin lugar a duda, es la obra más personal y directa de este gran e inolvidable maestro. Es una historia sobre el desarrollo del cine dentro del individuo, de cómo aparece casi por accidente a partir de una búsqueda, llamémosla ingenua, de las imágenes en movimiento como mecanismo de memoria personal y familiar. Kieslowski tiene como objetivo mostrar como cambia la perspectiva de una persona a través del ojo de la cámara, como busca y ve más allá del ojo humano, pero que a la vez puede ser - si no se sabe utilizar - una herramienta muy peligrosa. Un film que resulta indispensable para todo cineasta amateur, ya que se centra en dar a luz los principales problemas del cine y como este causa una metamorfosis en el protagonista. El protagonista deja de ser un simple espectador del mundo y de la sociedad, para comenzar a ver cosas que nunca pensó que existían, y descubre que a través de la cámara la realidad tiene otro significado distinto gracias a la resignificación y al simbolismo de las imágenes que el toma.
Kieslowski muestra como cambia la realidad a través del ojo de la cámara a diferencia del ojo humano, pero como también tiene su poderío para mostrar, también posee la fatalidad para destruir. Filip quiere grabar a su hija recién nacida y desde allí comienza una aventura armado de una cámara de Super 8. El proyecto inicial, un diario familiar íntimo, va dejando poco a poco, y a veces muy accidentalmente, de ser una afición para convertirse en una parte significativa de la vida del personaje. Hecho que el mismo Filip no es capaz de expresar coherentemente cuando le dice a su esposa que ha encontrado algo dentro del cine, que no sabe qué es, pero que es algo grande y que puede ser mayor que la felicidad que da la paz y la tranquilidad del hogar. Filip se hace cineasta por sus propios medios, primero como camarógrafo, luego como montador y finalmente como realizador y como autor. En principio él sólo quiere mostrar “lo que está ahí”, y de esa manera permite que en sus cortos documentales se combine la presencia de altos cargos burocráticos del sindicato de su empresa con las palomas que pasan por la ventana. Poco a poco irá construyendo un discurso cinematográfico propio e irá descubriendo que el cine es un lenguaje. Pero su consigna será siempre mostrar las cosas que pasan en la vida real. Este enfoque lo llevará a tener conflictos con el director de la empresa quien es quien financia las aventuras cinematográficas de su empleado. Su nueva pasión y su nueva mirada es mucho más fuerte que cualquier otra cosa, hasta de su propia familia.

Kieslowski en esta historia compone un ambiente asociado al mundo de la fábrica y del trabajo, en medio de un pequeño pueblo de Polonia a finales de los años 70, donde el desarrollismo comunista construía grandes urbanizaciones y complejos sistemas industriales. Allí sucede la historia y que mejor lugar y época para contarla. Estos cambios fueron cruciales para Polonia y dejar plasmados este desarrollo en un celuloide, para Filip era un gran atractivo. Filip, animado por su jefe, decide dejar a tras su idea de filmar a su hija y centrarse en filmar esos cambios. A través del ojo de la cámara descubre que estos cambios no son tan leales como parecen, detrás de esta moderna fachada del progreso, había otros tipos de descuidos e irresponsabilidades que el decide mostrar al mundo. El protagonista nos mete en la piel de un cineasta en sus primeros pasos, con sus virtudes y sus defectos, sus facilidades y dificultades, sus miedos morales y a la confrontación de principios éticos. Kieslowski también deja muy en claro que el cine debe ser algo personal y no utilizado con objetivos demagógicos. Hay una escena de gran emoción, que es cuándo el filma a su amigo con la furgoneta y a la madre, luego cuando ella muere, su amigo le pide de ver la filmación. Al terminar de verla este le agradece por mantener viva a su madre eternamente y se queda con el rollo fílmico. Hay momentos de gran emotividad pero también de gran dolor, esta atractiva y nueva obsesión del protagonista por el cine, produce que este vaya perdiendo de a poco a su familia.
Kieslowski deja muy claro en los primeros planos del film, cómo el poderoso puede destruir cuándo quiera al débil, lo hace a través las imágenes de un águila cazando a una pobre gallina indefensa a la cuál ataca sorpresivamente y arrancándole sus plumas. Esta escena es crucial y resume el tema principal del film de una manera magistral. El director censura lo que a él le parece perjudicial en los trabajos de Filip, pero a la vez este poder también produce que el mismo Filip su autocensure, que en sí, esa resulta es la peor censura existente para un artista, la de uno mismo. El protagonista encuentra en el cine liberación y ve al mismo como registro de la memoria, como exploración de la realidad, como “responsabilidad” y compromiso de el como autor. En el film también hay un homenaje al director de cine Zanussi, a los cineclubs y a los debates posteriores al visionado de una película, cierta intención paródica en el festival de cine, con algunos personajes ridiculizados y tan estereotipados dentro de los festivales. "El aficionado" habla sobre la perspectiva de la creación, la fascinación y conflicto a la hora de decidir lo que es y lo que no es arte, lo que merece la pena registrar, el compromiso del director con la realidad, con el público, la libertad del artista... Pero al final lo que se impone es el conflicto ético del protagonista con el director de la fábrica, quién resultan el censor de sus trabajo. El aficionado es cine sobre el cine. Es un film que se cierra sobre si mismo y que acaba donde comienza, en dónde el cine es reflejado sobre su propio espejo.
En esta obra, además de confluir el pesimismo del saber y el optimismo del deseo, podemos observar que el director polaco hace gala de sus primerizas ideologías políticas y sociales. La censura está presente en varias ocasiones a lo largo del film, con el compañero de trabajo de Filip, con su niña y rodeándole en su vida cotidiana. Kieslowski aquí también nos ingresa a un mundo algo extraño a través del personaje de la esposa del protagonista. Ella tiene una especie de visión del futuro o presiente algo sobre lo que va a suceder. Ella adivina que tendrá una nena, ella adivina que la madre del amigo de Filip va a morir (también para no adivinarlo, Kieslowski nos lo simboliza metiéndola en una furgoneta para llevarla al hospital , pero esta furgoneta que maneja su hijo la usa como coche fúnebre) y ella sueña que un buitre mata a una indefensa paloma ¿Muy parecido a las imágenes del comienzo no?. Ella sabe, en su universo de percepciones, que algo malo va a suceder con su marido. Kieslowski nunca deja a un lado su universo metafísico, algunas veces con más presencia y otras veces con menor, pero siempre está presente. Al igual que sus juegos de simbolismos, en esta obra resultan más sutiles y directos que en sus posteriores obras. Kieslowski no utiliza ninguno de sus magistrales artilugios estéticos, debido a los pocos recursos con los que contó a la hora de filmarla, pero allí demuestra que su talento se ve tanto en esta historia sencilla como en sus mágicas obras posteriores. El protagonista se ve inmerso en un nuevo universo, el del cine y el del mirar a través del ojo de la cámara. Esto cambia su vida pero también su mirada y perspectiva para con lo que le rodea.
Para resumir, es un film de una inmensa profundidad y muy interesante para meterse de lleno en la moral y en la ideología de un cineasta. Difícil de saborearlo en su plenitud en un primer visionado, pero que llena completamente tras comprender sus motivos. Una gran obra que nos ingresa de lleno en la mirada de un director amateur pero que resulta como excusa para poder Kieslowski hablar sobre sus principios, sus miedos, su perspectiva y su sabio significado del cine (sobre todo en la última escena del film). "El aficionado" es una obra que lo lanzo a la fama y que marcó en el cine el primer gran paso de este gran sabio. Un director de una corta filmografía - debido a que falleció joven - pero que dejo las lecciones más importantes del cine. No hubo ni habrá alguien como Krzysztof Kieslowski, un ser que encontró en el cine su propio camino hacia el significado de la vida pero que en cuyo camino descubrió también, nada más nada menos, que el significado del cine.

Ariel Luque (Cinevivo)

"La verdadera cuestión no es si somos o no somos libres, sino si realmente queremos serlo"
Kieslowski

viernes, 21 de enero de 2011

Incorporamos al catálogo... Häxan (La brujería a través de los tiempos )(1922)

TÍTULO ORIGINAL     Häxan
AÑO     1922    
DURACIÓN     87 min.
PAÍS     Dinamarca
DIRECTOR     Benjamin Christensen
GUIÓN     Benjamin Christensen
MÚSICA     Launy Grøndahl, Emil Reesen
FOTOGRAFÍA     Johan Ankerstjerne (B&W)
REPARTO     Documental, Elisabeth Christensen, Astrid Holm, Karen Winther, Maren Pedersen, Ella La Cour, Emmy Schönfeld, Kate Fabian, Oscar Stribolt
PRODUCTORA     Coproducción Dinamarca-Suecia; Aljosha Production Company / Svensk Filmindustri
GÉNERO     Documental. Terror. Brujería. Cine mudo
SINOPSIS     Mezclando el documental y la ficción dramática, la película descubre la relación de los hombres de la Edad Media (su actitud y la proliferación de brujos y brujas) con algunas situaciones actuales. Un repaso al mundo del ocultismo, la magia negra y la brujería, a través de varios siglos, para dibujar un panorama fascinante y estremecedor.

Gertrud (1964)

TÍTULO ORIGINAL     Gertrud
AÑO     1964    
DURACIÓN     116 min.
PAÍS     Dinamarca
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Carl Theodor Dreyer (Obra: Hjalmar Soderberg)
MÚSICA     Jorgen Jersild
FOTOGRAFÍA     Henning Bendtsen
REPARTO     Nina Pens Rode, Bendt Rothe, Ebbe Rode, Baard Owe, Anna Malberg, Axel Strobye
PRODUCTORA     Palladium Film
GÉNERO     Drama
SINOPSIS     Gertrud es una mujer madura e idealista cuyo objetivo es hallar el amor absoluto, con mayúsculas, pero sus experiencias sentimentales se ven siempre abocadas al fracaso. Decide separarse de su marido, un eminente politico, porque antepone el trabajo al amor. Se enamora de un joven músico, que empieza a cosechar sus primeros éxitos, pero para él, que sólo piensa en sí mismo, Gertrud no es más que una aventura pasajera. Por otra parte, un antiguo novio poeta reaparece en su vida con la pretensión de que reanuden su antigua relación.


Dies irae (1943)

TÍTULO ORIGINAL     Vredens dag (Dies irae)
AÑO     1943   
DURACIÓN     105 min. 
PAÍS     Dinamarca
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Carl Theodor Dreyer, Poul Knudsen, Mogens Skot-Hansen (Obra: Hans Wiers Jenssen)
MÚSICA     Poul Schierbeck
FOTOGRAFÍA     Carl Andersson (B&W)
REPARTO     Thorkild Roose, Lisbeth Movin, Sigrid Neiiendam, Preben Lerdorff Rye, Anna Svierkier, Albert Hoeberg
PRODUCTORA     Palladium Productions
GÉNERO     Drama. Siglo XVII. Religión. Brujería. Vida rural
SINOPSIS     Dinamarca, 1623. En plena caza de brujas, Absalom, un sacerdote mayor, promete a una mujer condenada a muerte que salvará a su hija Anne de la hoguera a cambio de casarse con ella. Según la ley, las descendientes de las brujas también deben arder en una pira. Meret, la anciana madre de Absalom, desaprueba desde el principio el matrimonio. Cuando Martin, el hijo de Absalom, regresa a casa para conocer a su madrastra, se enamorará de ella y ambos compartirán una relación prohibida que deparará inesperadas consecuencias.


Vampyr (1931)

TÍTULO ORIGINAL     Vampyr - Der Traum des Allan Grey
AÑO     1932   
DURACIÓN     68 min.
PAÍS     Alemania
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)
MÚSICA     Wolfgang Zeller
FOTOGRAFÍA     Rudolph Maté (B&W)
REPARTO     Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel
PRODUCTORA     Coproducción Alemania-Francia
GÉNERO     Terror. Fantástico.  Sobrenatural. Vampiros
SINOPSIS     En esta película Dreyer nos introduce en un universo fantasmal por medio de imágenes expresionistas. La historia comienza cuando un joven viajero, Allan Gray, se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera es la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja. El maestro Dreyer rueda en Francia su particular visión del terror: un mundo onírico y sugerente, lleno de fantasmas y sombras que cautivan más por la fuerza de sus imágenes que por lo terrorífico del relato. A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, "Dies Irae".

Vampyr (1931)

TÍTULO ORIGINAL     Vampyr - Der Traum des Allan Grey
AÑO     1932   
DURACIÓN     68 min.
PAÍS     Alemania
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)
MÚSICA     Wolfgang Zeller
FOTOGRAFÍA     Rudolph Maté (B&W)
REPARTO     Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel
PRODUCTORA     Coproducción Alemania-Francia
GÉNERO     Terror. Fantástico.  Sobrenatural. Vampiros
SINOPSIS     En esta película Dreyer nos introduce en un universo fantasmal por medio de imágenes expresionistas. La historia comienza cuando un joven viajero, Allan Gray, se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera es la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja. El maestro Dreyer rueda en Francia su particular visión del terror: un mundo onírico y sugerente, lleno de fantasmas y sombras que cautivan más por la fuerza de sus imágenes que por lo terrorífico del relato. A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, "Dies Irae".

El amo de la casa (1925)

TÍTULO ORIGINAL     Du skal aere din hustru (Du skal ære din hustru)
AÑO    1925    
DURACIÓN    117 min.    
PAÍS    Dinamarca   
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Svend Rindon, Carl Theodor Dreyer (Obra: Svend Rindon)
MÚSICA     Película muda
FOTOGRAFÍA     George Schnéevoigt (B&W)
REPARTO     Mathilde Nielsen, Johannes Meyer, Astrid Holm, Petrine Sonne, Karin Nellemose, Byril Harvig, Clara Schønfeld, Johannes Nielsen, Vilhelm Petersen, Aage Hoffman
PRODUCTORA     Palladium Film
GÉNERO     Drama. Cine mudo
SINOPSIS     Adaptación de una obra teatral de Svend Rindon sobre la tormentosa relación que mantiene un marido tiránico con su familia. Es la historia de un hombre que trata despótica y arbitrariamente a su esposa y sus hijos. Su vieja niñera, la única persona a la que ha respetado en su vida, le hará ver de una peculiar manera que su comportamiento es cruel y vergonzoso.

TRAILER SIN ESPECIFICAR

El amo de la casa (1925)

TÍTULO ORIGINAL     Du skal aere din hustru (Du skal ære din hustru)
AÑO    1925    
DURACIÓN    117 min.    
PAÍS    Dinamarca   
DIRECTOR     Carl Theodor Dreyer
GUIÓN     Svend Rindon, Carl Theodor Dreyer (Obra: Svend Rindon)
MÚSICA     Película muda
FOTOGRAFÍA     George Schnéevoigt (B&W)
REPARTO     Mathilde Nielsen, Johannes Meyer, Astrid Holm, Petrine Sonne, Karin Nellemose, Byril Harvig, Clara Schønfeld, Johannes Nielsen, Vilhelm Petersen, Aage Hoffman
PRODUCTORA     Palladium Film
GÉNERO     Drama. Cine mudo
SINOPSIS     Adaptación de una obra teatral de Svend Rindon sobre la tormentosa relación que mantiene un marido tiránico con su familia. Es la historia de un hombre que trata despótica y arbitrariamente a su esposa y sus hijos. Su vieja niñera, la única persona a la que ha respetado en su vida, le hará ver de una peculiar manera que su comportamiento es cruel y vergonzoso.

TRAILER SIN ESPECIFICAR

martes, 18 de enero de 2011

CUADERNOS DE CINE - ROMAN POLANSKI


ROMAN POLANSKI:
Sobre la superficialidad en el cine.


Creo que el principal mal que aqueja al cine moderno es que las películas son tan superficiales que no dejan poso. Yo quisiera rodar una película que se quede en la mente del espectador algún tiempo. Hace poco vi una película de suspense muy bien llevada con mi mujer y mis hijos. Estaba muy bien rodada, y pasamos un rato agradable. Después fuimos a cenar, y nos lo pasamos muy bien. Al día siguiente, durante la cena, nadie mencionó nada sobre el film. Pues bien, eso no es lo que yo quiero rodar.


Desde niño, he sabido que quiero hacer películas que te hagan pensar. Que se te queden en la mente. De joven vi una versión de "De ratones y hombres". Me impresionó mucho, sobre todo porque se moría Lenny. Si no se hubiera muerto, no me hubiera hecho pensar tanto. Cuando estaba rodando "Chinatown", decidí que la chica muriera. Pero el productor se negaba. Pensaba que no era comercial. Me costó mucho convencer a los estudios. Si no lo hubiera logrado, esa película no estaría ahora en el puesto 19, en una encuesta sobre las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos.

Hoy en día, los grandes estudios no están interesados en hacer cosas así. Producen películas que parecen videojuegos. A la gente la torturan, la machacan y no se ve ni una gota de sangre. Si incluyen algo de humor, tiene que ser en dosis pequeñas, sin conexiones entre ellas, y no suelen tener mucha importancia en la trama. Así es como estamos educando a nuestros hijios, viendo este tipo de producciones. Se acostumbran y no quieren ver otra cosa.


Roman Polanski
01/03/2006 entrevista sobre Oliver Twist

sábado, 15 de enero de 2011

CUADERNOS DE CINE - ALFRED HITCHCOCK


ALFRED HITCHCOCK:
Rodar peliculas

Rodar películas, para mi quiere decir en primer lugar y ante todo, contar una historia. Esta historia puede ser inverosímil, pero no debe ser jamás banal. Es preferible que sea dramática y humana. El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos. Luego entra en juego la técnica y aquí soy enemigo del virtuosismo. Hay que sumar la técnica a la acción.(…) La belleza de las imágenes y de los movimientos, el ritmo, los efectos, todo debe someterse y sacrificarse a la razón.

Alfred Hitchcock

viernes, 14 de enero de 2011

Arrebato (1979)



Apenas contaba con siete años cuando Arrebato irrumpió en mi vida por primera vez . Fue una de esas experiencias infantiles que nos impactan de tal forma que la mantenemos en el recuerdo con un valor especial, de esas de las que precisamente habla esta perturbadora película. Es cierto que esta primera vez no comprendí en absoluto su mensaje, ya que mi ingenua e impresionable mente solo fue capaz de absorber el aspecto terrorífico de la historia, pero también es cierto que fue tan fuerte la impresión que me produjo, que desde ese momento, cada vez que me enfoca una cámara es inevitable que esta película acuda a mi cabeza. Años después, y por casualidad mientras zappeaba, me encontré con la magnífica sorpresa de que la emitían en televisión. Bastaron un par de secuencias para reconocer a aquella rareza que apenas recordaba pero que me había acompañado tanto tiempo, y en lugar del fiasco que suele suceder a este tipo de reencuentros con el pasado, que casi siempre conducen a la decepción y a la caída en picado de uno de nuestros mitos, me encontré más impresionada si cabe que la primera vez, hipnotizada y arrebatada por completo por la que desde entonces sería para mí la Obra Maestra del cine español. Seguramente los puristas se echen las manos a la cabeza ante esta afirmación, pero lo que es innegable es que Arrebato es la obra más inquietante, arriesgada e inclasificable de la filmografía española. Es una película que está fuera de la lógica y de la razón, de los esquemas estructurales y los análisis formales, es una experiencia para sentirla a flor de piel, planteada como un juego infantil, y como en todo juego la regla principal es entregarse en cuerpo y alma, sin preguntas.

Arrebato fundamentalmente es el autorretrato de Iván Zulueta. El director donostiarra utiliza un alter-ego (Pedro) para hacernos participes de su peor pesadilla, abandonar la infancia para alcanzar la madurez. A través de este personaje nos adentra en la mente de un director obsesionado con experimentar con el tiempo y con los ritmos, capaz de condensar cientos de imágenes en un minuto y con el curioso don de descubrir dentro de cada uno la imagen que nos obnubile toda la eternidad. Pero además es una invitación a la reflexión para aquellos que hicieron del cine un oficio, que lo convirtieron en un medio más que en un fin. Cuestiona cualquier éxito que no sea el del éxtasis que provoca el proceso creativo y la obra por si misma. Rechaza el ambiente que rodea al cineasta describiéndolo como un mundo repleto de personajes frívolos y grotescos que se acercan al director de moda atraídos por el olor a fama.

Pedro, el protagonista, es uno de los personajes más insólitos que ha alumbrado el cine. Es un joven de 27 años que en principio parece tener la edad mental de un niño, pero que realmente es un ser sobre-excitado, inmerso en un juego continuo que provoca en él un ritmo frenético. Este particular Peter Pan es capaz de reducir ese ritmo para dejar la niñez a un lado y razonar como un adulto cuando le interesa. Eso es lo que hará cuando conozca a Jose, un director de películas de Serie B que está desencantado con su trabajo (como él mismo dice: "a mí no me gusta el cine, es al cine a quien le gusto yo"). Pedro acude a él para que opine sobre las películas que ha grabado con una cámara de Super 8, el nuevo juguete que le tiene obsesionado y al que se ha entregado por completo. Gracias a este aparato decide dejar su casa e ir en busca de un mundo repleto de miles de ritmos ocultos que esperan ser descubiertos.

La película tiene una estructura particular. Parte desde el núcleo de la historia, una cinta de video que Pedro envía a Jose, para desplegarse posteriormente como un libro abierto. La mortecina voz de Pedro aporta una atmósfera misteriosa a la película con la que consigue que nos entreguemos desde el principio. Pero el contenido de esta cinta se hace esperar. Zulueta nos mantiene en vilo mostrando primero las circunstancias que envuelven la vida de Jose y poniéndonos en antecedentes de las ocasiones en que ambos personajes coincidieron. A partir de la mitad retoma la cinta para narrar cuál fue el enigmático destino de Pedro desde el momento en que ambos se separaron.

A pesar de que obtuvo el Premio especial a la Calidad que otorga el Ministerio de Cultura, esta cinta fue rechazada en el festival de Berlín porque se consideró que hacía apología de las drogas. Efectivamente la heroína está presente en la película. Hay secuencias explícitas en las que un chute en vena ocupa toda la pantalla. Incluso el propio Zulueta, que era muy ducho en experimentar con todo tipo de sustancias, asegura que Arrebato hubiese sido imposible si no hubiese estado bajo la influencia de esta droga. Pero reducir a esto el mensaje de esta cinta es una teoría excesivamente simplista. No se intenta crear una analogía entre cine y droga. La heroína está planteada como algo negativo, un lastre al que hay que abandonar, como la consecuencia de una vida frustrada. El arrebato del cineasta va más allá. La relación hombre-cámara no es una relación de dependencia de uno sobre otro, es una relación de simbiosis donde ambas partes se necesitan. La cámara reclama su papel protagonista, no espera que le digan cuándo debe actuar.

Después de esta película Iván Zulueta acabó extenuado y no volvió a grabar nada más. Su cámara se apagó para siempre pero dejó para la posteridad una obra que con el paso del tiempo no ha perdido ni un ápice de su frescura, manteniendo la modernidad que rompió esquemas en una época.

miércoles, 12 de enero de 2011

BIOGRAFÍA - David Lynch

David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.

Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio Web, de pago.

Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.


martes, 11 de enero de 2011

The straight story (1999)

TÍTULO ORIGINAL     The Straight Story
AÑO     1999   
DURACIÓN     111 min.      
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     John Roach & Mary Sweeney
MÚSICA     Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA     Freddie Francis
REPARTO     Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley
PRODUCTORA     Coproducción USA-Francia; Le Studio Canal+ / Les Films Alain Sarde / Picture Factory & Film Four
PREMIOS     1999: Nominada al Oscar: Mejor actor (Richard Farnsworth)
1999: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor, bso
1999: Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes: David Lynch
1999: 2 premios de Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor, fotografía
GÉNERO     Drama. Basado en hechos reales. Road Movie. Vejez. Cine independiente USA. Película de culto
SINOPSIS     Alvin Straight (Richard Farnsworth) tiene 73 años, es viudo, vive en Iowa con su hija discapacitada Rose (Sissy Spacek), padece un enfisema, tiene problemas de visión y de cadera y acaba de sufrir un brusco desfallecimiento. El médico le recrimina su mala alimentación y lo poco que cuida su salud. Cuando aún está convaleciente y necesita dos muletas para cualquier desplazamiento, recibe una llamada que alerta del grave estado de salud de Lyle (Harry Dean Stanton), su hermano mayor, con quien no se habla desde hace diez años. Al conocer la noticia, Alvin decide emprender un viaje en solitario hasta Wisconsin, donde vive Lyle, con el único medio de transporte que tiene a su alcance: una segadora.

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"Un atajo directo al corazón" (Desson Howe: The Washington Post)
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"Un regalo impagable a los espectadores y a la historia del cine" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Obra maestra. Profunda, conmovedora" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
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"Una película para la estantería de la historia" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Fordiana obra maestra" (E. Rodríguez Marchante: Cinemanía)
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"Una obra maestra absoluta. La primera película íntegramente sobrenatural (por hermosa) del siglo XXI." (Sergi Sánchez: Fotogramas)
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Carretera perdida (1997)

TÍTULO ORIGINAL     Lost Highway
AÑO     1997    
DURACIÓN     134 min.
PAÍS     Estados Unidos     
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch, Barry Gifford
MÚSICA     Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA     Peter Deming
REPARTO     Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty, Robert Blake, Natasha Gregson Wagner, Jack Nance, Richard Pryor, Gary Busey, Robert Loggia
PRODUCTORA     Ciby 2000
GÉNERO     Drama. Intriga. Surrealismo. Película de culto. Cine independiente USA
SINOPSIS     Fred Madison, un músico de Jazz, recibe una serie de misteriosas cintas de video en las que aparece con su mujer Renée dentro de su propia casa. En la última de ellas, que Fred ve a solas, él está junto a su esposa muerta...

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"Otro fascinante cuento; enigmática, claustrofóbica, circular. Escalofriante Robert Blake (...) Vuelve el Lynch más sugerente y perturbador" (Daniel Monzón: Fotogramas)

Twin peaks: fuego camina conmigo (1992)

TÍTULO ORIGINAL     Twin Peaks: Fire Walk with Me
AÑO    1992    
DURACIÓN     135 min.
PAÍS     Estados Unidos     
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch & Robert Engels (Personajes: Mark Frost & David Lynch)
MÚSICA     Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA     Ron García
REPARTO     Sheryl Lee, Ray Wise, Kyle MacLachlan, Chris Isaak, Kiefer Sutherland, Harry Dean Stanton, Mädchen Amick, Moira Kelly, David Bowie, Peggy Lipton, Miguel Ferrer, James Marshall, David Lynch, Jurgen Prochnow, Heather Graham, Dana Ashbrook, Phoebe Augustine, Grace Zabriskie
PRODUCTORA     Twin Peaks Production
GÉNERO     Intriga. Drama. Terror. Thriller. Cine independiente USA. Película de culto
SINOPSIS     Precuela de la famosa serie televisiva. La fuente de los impulsos autodestructivos de Laura Palmer está en los abusos que sufre por parte alguien muy cercano, quien sufre la posesión del diabólico Bob. Cuando Laura se da cuenta que su mejor amiga, Donna Hayward, se encamina a su mismo sendero autodestructivo, y tiene un ataque de lucidez que le permite prevenirla.

Corazón salvaje (1990)

TÍTULO ORIGINAL     Wild at Heart
AÑO     1990   
DURACIÓN     125 min.  
PAÍS     Estados Unidos     
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch
MÚSICA     Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA     Frederick Elmes
REPARTO     Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, Jack Nance, Crispin Glover, Diane Ladd, Isabella Rossellini, Harry Dean Stanton, J.E. Freeman, Calvin Lockhart, Sherilyn Fenn, David Patrick Kelly, Freddie Jones, Pruitt Taylor Vince, Frances Bay
PRODUCTORA     PolyGram Filmed Entertainment / Propaganda Films
PREMIOS     1990: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Diane Ladd)
1990: Cannes: Palma de Oro
GÉNERO     Drama. Road Movie. Crimen. Película de culto. Cine independiente USA
SINOPSIS     Durante un permiso carcelario, Sailor va en busca de Lula, su novia, y juntos deciden escapar a California. La madre de la chica se opone a esta relación y contacta con un mafioso para que elimine a Sailor. En realidad, teme al joven, ya que presenció el asesinato de su esposo a manos de ella y su amante. Sailor y Lula huyen de la madre por extraños parajes de los Estados Unidos, y mientras viajan por un laberinto de acontecimientos retorcidos, su relación evoluciona, acompañada de sórdidos recuerdos.

"Detestable" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"La desaforada puesta en escena provoca un filme inclasificable, que atrapa y repele al mismo tiempo." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
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"Wild at Heart no es una obra maestra, dista de, pero es una película que abre el apetito de las emociones más inmediatas. Eso se llama estimulante" (Guillermo Cabrera Infante)

Terciopelo azul (1986)

TÍTULO ORIGINAL     Blue Velvet
AÑO    1986    
DURACIÓN    120 min.   
PAÍS    Estados Unidos
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch
MÚSICA     Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA     Frederick Elmes
REPARTO     Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dean Stockwell, George Dickerson, Jack Nance, Hope Lange, Brad Dourif, Priscilla Pointer, Frances Bay
PRODUCTORA     Metro-Goldwyn-Mayer
PREMIOS     1986 Nominada al Oscar: Mejor director (David Lynch)
1986 Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor película, fotografía
GÉNERO     Intriga. Drama. Película de culto. Cine independiente USA
SINOPSIS     Ciudad de Lumberton. Una mañana, Jeffrey Beaumont -Kyle MacLachlan-, visita en el hospital a su padre. De regreso a su casa, encuentra entre unos arbustos una oreja humana cercenada. La recoge en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía. El detective Williams -George Dickerson-, vecino de los Beaumont, le atiende. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en la pequeña localidad de Carolina del Norte.

"Otros directores trabajan mucho y duramente para lograr la febril perversidad que tan natural le sale a David Lynch, cuyo "Terciopelo azul" se ha convertido en un clásico de culto de forma instantánea (...) tan fascinante como extraña (...) confirma a Lynch como un innovador, técnicamente brillante y alguien con quien mejor no encontrarte en un callejón oscuro" (Janet Maslin: The New York Times)
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"Hay ocasiones en que un cineasta acierta a atisbar que es cierto que hay otros mundos, y también que están en éste. Sólo hace falta saber mirar. Terciopelo azul se abre con una inenarrable imagen de unos bomberos (...) Entonces se desata la magia del cine, un torrente de sensaciones que impulsan al espectador a un thriller desorbitado y fantasmal, a la pesadilla de las realidades que se ocultan en los pliegues de lo cotidiano." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
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"Obra maestra" (Guillermo Cabrera Infante)

Dune (1984)

TÍTULO ORIGINAL     Dune
AÑO     1984   
DURACIÓN     145 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch (Novela: Frank Herbert)
MÚSICA     Brian Eno & Daniel Lanois
FOTOGRAFÍA     Freddie Francis
REPARTO     Kyle MacLachlan, Sting, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Brad Dourif, José Ferrer, Kenneth McMillan, Linda Hunt, Max von Sydow, Silvana Mangano, Freddie Jones, Dean Stockwell, Sean Young, Virginia Madsen, Jack Nance
PRODUCTORA     Universal Pictures. Productor: Raffaella De Laurentiis
GÉNERO     Ciencia ficción. Fantástico. Extraterrestres. Película de culto. Aventura espacial
SINOPSIS     Por orden imperial la familia Atreides deberá hacerse cargo de la explotacion del desértico planeta de Arrakis, conocido también como "Dune", el único planeta donde se encuentra la especia, una potente droga que, además, es necesaria para los vuelos espaciales. Anteriormente el planeta había sido gobernado por los Harkonen, que han ejercido su mandato con puño de hierro, dejando una huella indeleble en la población indígena del planeta. Cuando los Harkonen atacan el planeta con el beneplácito del Emperador para retomar su posición dominante sobre el planeta, Paul, el hijo del duque Leto Atreides, deberá huir al desierto, donde le esperan múltiples peligros, y una última oportunidad de vengarse y volver a su legítimo lugar como gobernante de Arrakis.

En su día fue un gran fracaso comercial y de crítica. A pesar de ello con el tiempo se la ha ido reivindicando por fanáticos del género, muchos de los cuales la consideran un film de culto. ----------------------------------------
"Resulta divertida en una segunda visión" (Guillermo Cabrera Infante)

El hombre elefante (1980)

TÍTULO ORIGINAL     The Elephant Man
AÑO     1980   
DURACIÓN     125 min.   
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     David Lynch
GUIÓN     David Lynch, Eric Bergren, Christopher De Vore
MÚSICA     John Morris
FOTOGRAFÍA     Freddie Francis (B&W)
REPARTO     Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones
PRODUCTORA     Paramount Pictures. Productor: Mel Brooks
PREMIOS     1980: 8 Nominaciones al Oscar, incluyendo actor (Hurt), direcc. artíst., vestuario, director
1980: BAFTA: Mejor película
GÉNERO     Drama. Enfermedad. Discapacidad. Siglo XIX. Basado en hechos reales. Película de culto
SINOPSIS     A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick, un ciudadano británico con la cabeza horriblemente deforme que sufre una humillación permanente con su exhibición pública.

"Generosa, clásica, bellísima película" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Bien hecha, lastrada a veces por el evidente patetismo del tema" (Guillermo Cabrera Infante)

40 títulos en alquiler del Ciclo METACINE

METACINE
  1. Ed Wood de Tim Burton. 1994
  2. El hombre de mármol de Andrzej Wajda. 1977 
  3. El hombre de hierro de Andrzej Wajda. 1981 
  4. Fellini 8 y medio de Federico Fellini. 1963 
  5. Cazador blanco, corazón negro de Clint Eastwood. 1990 
  6. El último magnate de Elia Kazan. 1976 
  7. Tropic Thunder de Ben Stiller. 2008 
  8. El juego de Hollywood de Robert Altman. 1991 
  9. Un final made in Hollywood de Woody Allen. 2002 
  10. El fotógrafo de pánico de Michael Powell. 1960 
  11. A través de los olivos de Abbas Kiarostami. 1994 
  12. Ha nacido una estrella de William Wellman. 1937 
  13. Good morning Babilonia de Paolo Taviani y Vittorio Taviani. 1986 
  14. La mujer pública de Andrzej Zulawski. 1984 
  15. State and main de David Mamet. 2000 
  16. RKO 281 de Benjamin Ross. 1999 
  17. Dioses y monstruos de Bill Condon. 1998 
  18. El desprecio de Jean Luc Godard. 1963 
  19. Entrevista de Federico Fellini. 1987 
  20. Takeshis’ de Takeshi kitano. 2005 
  21. Autofocus de Paul Schrader. 2002 
  22. La sombra del vampiro de Elias Merhige. 2000 
  23. Las 5 condiciones de Lars Von Trier. 2003 
  24. El hombre de las mil caras de Joseph Pevney. 1957 
  25. Torremolinos 73 de Pablo Berger. 2003 
  26. Cecil B. Demente de John Waters. 2000 
  27. Mullholand drive de David Lynch. 2001 
  28. La noche Americana de Francois Truffaut. 1973 
  29. El aficionado de Krzysztof Kieslowski. 1979 
  30. Arrebato de Ivan Zulueta. 1979 
  31. Vivir rodando de Tom Dicillo. 1995 
  32. Bellísima de Luchino Visconti. 1951 
  33. Punto de mira de Carl Francis. 2000
  34. Histories du cinema de Jean Luc Godard. 1988 (Documental)
  35. El hombre con la cámara de Dziga Vertov. 1929 (Documental) 
  36. Pablo G. del amo: un montador de ilusiones de Diego Galan. 2005 (Documental)
  37. Cannes Man de Ricard Martini. 1996 (Documental)
  38. Fritz Lang (El círculo de destino) de Jorge Dana. 2002 (Documental)
  39. Dentro de garganta profunda de Fenton Bailey & Randy Barbato. 2005 (Documental)
  40. La verdadera historia del cine de Peter Jackson & Costa Botes. 1995 (Documental)
  41. El chico que conquistó Hollywood de Brett Morgen & Nanette Burstein. 2002 (Documental)

lunes, 10 de enero de 2011

METACINE: El cine dentro del cine



Pocos procesos creativos conforman una estructura de relaciones tan complejas como el desarrollo de una obra cinematográfica. Dentro de un equipo de filmación se dan cita diferentes departamentos humanos que desarrollan su trabajo en torno a una única matriz núcleo que es el film, pues nada está por encima de la película y todo ha de funcionar en pos de la misma.

Desde el equipo de producción, maquillaje, efectos, fotografía, vestuario hasta el de dirección, montaje y distribución todo ha de funcionar con una maquina cuasi perfecta para conformar un obra cinematográfica que en mayor o menor medida se mantendrá como un documento inalterable en la historia.

Dentro de ese proceso de trabajo creativo que puede llegar a durar años (el rodaje de "Cabeza Borradora" de David Lynch se prolongó por cuestiones económicas durante más de 4 años), el drama y los sentimientos del propio film pueden llegar a ser más nimios si cabe que el propio drama sociológico que se produce entre los miembros del equipo. Romances, peleas, desfalcos, sexo e incluso defunciones se han sucedido tras las cámaras en estos cien años de cine, influyendo en más de una ocasión en el resultado final de la película e incluso sobrepasando, tal vez por impulsos morbosos, el interés del propio film (el making of "Lost in La Mancha" sustituye a la película maldita "El hombre que mató a Don Quijote" de Terry Gilliam) y es que en el fondo las películas las hacemos los humanos y ya se sabe que la realidad supera siempre la ficción, el objetivo de la cámara se convierte en una transposición de nuestros propios deseos e intenciones, sustituye al ojo humano a la hora de ver el mundo. El hombre, a través del cine, ha ideado una forma casi perfecta de reinventar la realidad. Muchas de las imágenes de los libros de texto acerca de la revolución rusa de octubre 1917 no pertenecen a una fotografía de la revolución de 1917, sino a fotogramas de la puesta en escena de la película de Eisenstein.

Para comprender en todo su esplendor una obra artística, es necesario conocer, al igual que en la pintura o la arquitectura, una serie de cuestiones a mi entender importantes: autor, fecha de producción y por ende cualidades socio- políticas de la época, nacionalidad y por qué no, condiciones y presupuestos que envuelven el rodaje.
Trabajar en una filmación es algo más que una pasión, es un oficio, una partida de idas y venidas que pueden llegar a superar el estado corriente de las relaciones interpersonales, una autentica lucha de voluntades por crear algo de la nada, por dar a luz a un engendro difícil de domesticar y que puede tener múltiples padres y madres que lidian por su custodia. La lucha de egos y el jerárquico trabajo piramidal son elementos propios de este oficio tan endemoniado cuyo devenir se expresa a la perfección con el título de la película de Robert Wise “Sonrisas y lágrimas”.

En Lumiére & Lumiére nos congratulamos en presentar nuestro tercer ciclo “Metacine”, primero de 2011, profundizando en las entrañas de esa bestia de pasiones llamado cine, intentando desmenuzar los entresijos de este moderno proceso creativo heredero de muchas artes y así tratar de buscar una solución acerca de porque el cine ha llegado a calar tan hondo en una civilización en continua búsqueda de sensaciones y a calibrar, si podemos, los pros y los contras de un sistema de difusión que, como valoración personal, ha traído tantas alegrías como engaños a este mundo de devoradores de imágenes. Están todos invitados a ver el cine, dentro del cine.

David Rodríguez Muñiz