ARQUEOLOGIA CINEFILA

Pruebas de peinado de Betty (Lauren Bacall) para la película "Tener o no tener", dirigida por Howard Hawks en 1944.  La primera fue la elegida.

Las yeguas; sobre la figura de la femme fatale en el cine.

Ava Gardner

Basta tomarse un poco de tiempo para consultar un diccionario o una buena historia del cine para verificar que el cine ha sido desde sus inicios una cosa de machos. El sillón del director dice Spielberg, Fellini, Eastwood, Hawks, Ford. La mujer es lo que falta, la ausencia, la anomalía. Para filmar, se creía, había que ser hombre, ya que una cámara penetra el mundo, y ese verbo viril es, aparentemente, propiedad y soberanía de los hombres.

Como en otras disciplinas, y allí está casi toda la historia oficial de la filosofía para constatarlo, las mujeres llegaron tarde al cine, excepto para interpretar un papel encantado y misterioso en el mismo orden que las excluye. 

En efecto, las estrellas de cine y las divas son, en tanto existen por una mirada (masculina) que las constituye, piezas simbólicas de una práctica discursiva específica de la que el cine es partícipe. Así, la invención de una mujer todopoderosa, maldita, bella, calculadora, potencialmente asesina, capaz de robarle al hombre su propio poder, hembra sutilmente castradora y fatídicamente seductora, criatura del llamado sexo débil, ahora devenida en insolente y transgresora respecto del orden simbólico de los hombres y las leyes secretas y expuestas que los favorecen, en el cine tiene un nombre. Personaje conceptual reconocible y altamente codificado, la femme fatale alcanza su perfeccionamiento modélico en el film noir del cine clásico norteamericano, aunque existen variaciones reconocibles en otras cinematografías. ¿No es ya la heroína angelical de Metrópolis (1927), de Fritz Lang, transmutada en demonio voluptuoso, aunque sea por un doble cibernético, una mujer fatal primitiva y seminal?

Rebecca Romijn Stamos

La última revisión explícita de este personaje conceptual le corresponde a Brian De Palma. Su Mujer fatal (2002) tiene un inicio preciso: la perra en cuestión, Laure Ash, interpretada por la bellísima Rebecca Romijn Stamos, mira una película mientras espera para hacerse pasar por una fotógrafa y robar unas joyas en el contexto del festival de Cannes. La elección de Brian De Palma aquí es doblemente pertinente. El cine es un régimen patriarcal planetario: los hombres dominan por doquier y en todos los puntos estratégicos de un sistema piramidal. 

Por un lado está Hollywood, en el que las mujeres ocupan sus lugares y llevan adelante sus roles inconfundibles, casi sempiternos: novias, madres, heroínas ocasionales y, también, mujeres fatales. Por el otro lado está el cine culto, el que celebra el festival de Cannes; allí las mujeres pueden subvertir a medias la posición obligatoria que les depara la “naturaleza”. La máxima transgresión, al menos su paradigma, podría ser el de Bella de día (1967), de Luis Buñuel.

De Palma unifica ambos polos como si se tratara de un mismo mundo. Es por eso que Laure está mirando un clásico del cine negro hollywoodense, una película clave para examinar la figura de la mujer fatal: Perdición (1944), de Billy Wilder, coescrita con Raymond Chandler.

En el inicio del film de Wilder se introduce un mundo sombrío y las coordenadas simbólicas de un cuento crepuscular: un automóvil atraviesa a gran velocidad una ciudad en plena noche. El protagonista, un vendedor de seguros, Walter (Fred MacMurray), llega herido al edificio de su compañía. Algo terrible ha sucedido. Grabará una confesión, y su testimonio será la reconstrucción de lo sucedido y el relato que veremos. Entre otras cosas, afirmará: “No conseguí el dinero y tampoco me quedé con la mujer”.

El dinero no es un tema menor en el universo de las mujeres fatales, pues define, posiciona y distribuye el poder en todas sus variantes.   (...)  Wilder, y mucho más aún De Palma, en su relectura onírica y lúdica, establecen el problema constitutivo de la mujer fatal. Las acciones indican cierto poder de la mujer, pero, en última instancia, se trata de un vampirismo inocuo, pues, más allá del destino del hombre en cuestión, que puede llegar a perder su propia vida y su estatus, las yeguas indomables, frente al orden patriarcal del que parecen sustraerse, son funcionales y consustanciales a él, la cuota necesaria de contradicción y rebeldía de un sistema simbólico que necesita perpetuarse.

En otros términos, la mujer fatal es siempre mucho más una fantasía masculina característica de un patriarcado, hoy pop y transgresor, que la liberación ficcional de la mujer del sistema simbólico que la somete a devenir en madre o madonna. 

Es precisamente allí donde se puede detectar la falsa desobediencia del personaje central de La chica del dragón tatuado (2011), de David Fincher, la nueva adaptación hollywoodense del libro de Stieg Larrson, Los hombres que odian a las mujeres. ¿No es Lisbeth la mujer fatal ideal de nuestro tiempo? Marginal, lésbica, hacker, delgada, tatuada, una heroína sensible, que se enfrenta discretamente al orden patriarcal, capaz no obstante de quemar a su padre y darle sin piedad a un hombre que la violó, pero también dispuesta a “normalizar” su sentimiento y sus elecciones sexuales, al menos cuando Blomkvist, el periodista interpretado por Daniel Craig, el 007 ultramasculino pero también por primera vez vulnerable, demuestre un interés que va más allá de la investigación que los reúne.

Noomi Rapace

Es que la mujer fatal, como cierta concepción del feminismo, es una operación mimética en donde el hombre y la mujer se igualan a imagen y semejanza del macho, a ese dogmatismo de la fuerza. Es lógico entonces que Hollywood le haya otorgado el primer Oscar a una directora como Kathryn Bigelow, cuyo film sobre la invasión a Irak, Vivir al límite (2008), no sólo privatizaba su crítica al focalizarse sobre la alteración psíquica de un batallón como un extraño método de significar la existencia de los combatientes, sino que dejaba sin esclarecer su posición frente al “enemigo”. Bigelow, una suerte de mujer fatal detrás de cámara, siempre ha filmado a los hombres como un hombre. Punto límite (1991), K-19: The Widowmaker (2002) y Vivir al límite así lo confirman.

Si se trata de pensar un cine en el que la mujer abandone su posición fatal de mujer fatal, un cine que esté dispuesto a disputar el orden patriarcal y su lenguaje cinematográfico, habrá que esperar. En la apoteosis y por exceso, Virginie Despentes y Coralie en Fóllame (2000) trastocaron el orden patriarcal en su intolerable versión punk de Thelma y Louise, en donde dos mujeres se entregan a una matanza colosal sin reparar en la cuestión de los sexos. Sus comportamientos son el reverso exacto de todo lo que se espera de las mujeres. Allí, la violencia es ilimitada, incivilizada, un fin nihilista de la madre y el inicio caótico de un monstruo que ningún código patriarcal puede absorber. 

En un registro no muy distinto y tal vez en sintonía, Sangre caníbal (2001), de Claire Denis, un filme sobre canibalismo, exhibe el mismo tipo de violencia desmedida.  Pero es en las geniales Bella tarea (1999) y Material blanco (2009) donde el colonialismo y el patriarcado quedan desnudos y al mismo tiempo despunta un camino para el cine en el que la mujer doblega su lugar fatal en el orden del discurso de los hombres.

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MIKROFILM SHORT FESTIVAL

I. Festival Internacional de Cortos Villa de Plentzia.

Para los apasionados del cine negro

El viernes 6 y sábado 7 de julio arranca la primera edición del Mikrofilm Short Festival en el municipio de Plentzia.   Un evento que nace con el propósito 

de exhibir la mejor producción de cortometrajes ‘noir’ a nivel planetario.

 Porque sabemos que el Mikrofilm Short Festival constituye un lugar único en Bizkaia donde ver mikroproducciones que de otra forma no 

llegarían a los apasionados del género negro.

Por qué el 7 de julio Mikro marchó de viaje sin maletas:

 Porque los vecinos de Plentzia y forasteros por igual compartan

 dos noches negras en la plaza de la iglesia.

Porque existimos a base de suerte y un contrato temporal, y por que
cuando se da un crimen todo cambia, y menos el muerto, el resto
seguimos vivos y podemos organizar un festival de cine negro.

Donde:

En la plaza de la Iglesia.

Jurado:

El Jurado de Mikrofilm Short Festival siempre se compondrá de tres personas. La intención es contar con un director profesional, un profesor de cine y un actor/actriz.

Koldo Serra;

realizador

Patxi Urkijo;

profesor en la UPV

Irene Bau;

 actriz

 Recomendación de Mikro: las 33 imprescindibles del cine negro.

(Info extraída de la web del festival)

Hollywood; desencadenan un tifón con un grifo y crean diosas con celuloide y titulares de periódico.

Raymond Chandler

“El panel de vidrio opaco de la puerta está atravesado por letras de pintura negra algo descascarada: Philip Marlowe. Investigaciones. (...) La puerta está cerrada con llave, pero a su lado hay otra puerta, con el mismo letrero, que no está cerrada. Pueden pasar... Adentro no hay nadie, sólo yo y un moscardón”.

"Eran aproximadamente las once de una mañana de mediados de octubre sin sol y con una copiosa lluvia en la claridad al pie de las sierras. Llevaba yo mi traje azul pólvora, camisa azul oscura, corbata y un pañuelo desplegado, zapatos gruesos y negros, calcetines negros de lana, con cuadrados azul oscuro. Estaba pulcro, limpio, afeitado y sobrio y me importaba muy poco quién lo supiera. Era en todo el detective privado tal cual debe ser. Iba a pedir cuatro millones de dólares ".  

"¿Cómo puede ser tan dulce un hombre tan duro? -preguntó con curiosidad.
-Si no fuese duro, no estaría vivo. Si no pudiera ser dulce, no merecería estarlo".

El cine negro y Raymond Chandler

CUADERNOS DE CINE. Los asesinos de Burt Lancaster, Cassavetes y Tarkovsky

Dos matones de sobretodo y sombrero entran al restaurante de un pueblo. Maniatan al cocinero y a un cliente y amenazan al dueño. Les dicen que están esperando a una persona que todas las noches cena allí, un boxeador sueco de apellido Anderson. No lo conocen, pero vienen a matarlo. La víctima no llega, y después de unas horas de esperar los matones deciden irse. Entonces el cliente del restaurante va a buscar a Anderson y le dice que quieren matarlo. El sueco, lejos de sorprenderse, se lo toma con calma. Se queda tirado en la cama, sin intensión de huir ni buscar ayuda. Está resignado, cansado de escapar de un final que parece inexorable.

Los asesinos (The Killers) es un cuento corto de Ernest Hemingway, publicado originalmente en 1927 en la revista Scribner's Magazine. Se lo puede leer completo en el sitio Ciudad Selva. Aunque la historia parece una trivialidad, insinúa una tragedia. No se sabe por qué los matones quieren asesinar al sueco. Tampoco si logran su cometido, aunque se da a entender que sí. Pero, sobre todo, no ofrece pistas sobre los motivos de la resignación de Anderson.

Una adaptación inventada

Hollywood adaptó dos veces esta breve historia. La primera se estrenó en 1946 y la dirigió Robert Siodmak, un alemán que, como muchos otros, llegó a Estados Unidos al escapar del nazismo. En Argentina se la conoció con el literal Los asesinos, pero en España el título fue Forajidos.

En su primer trabajo fuera de los grandes estudios, el productor Mark Hellinger pagó 36.750 dólares por los derechos del relato. Según cuenta Homero Alsina Thevenet en uno de los artículos de Historias de películas, el guión estuvo a cargo de Anthony Veiller y John Huston, aunque este último no apareció en los créditos porque tenía contrato con la Warner. La historia toma el cuento de Hemingway como punto de partida, lo narra en los primeros quince minutos y luego inventa toda una trama que explica por qué quieren matar a Anderson y por qué él está dispuesto a dejarse morir.

La película marcó el debut de Burt Lancaster, que venía de una carrera como acróbata y luego se convertiría en una estrella, Oscar incluido. Y fue, luego de un par de docenas de apariciones menores en la pantalla grande, el primer papel importante de la bellísima Ava Gardner, que unos años más tarde se casaría con Frank Sinatra.

El sueco Anderson (Lancaster), boxeador sin futuro, se involucra con una mujer fatal, Kitty Collins (Gardner), y se une a una banda encabezada por Jim Colfax (Albert Dekker) para robar una fábrica. En medio de traiciones y juegos a dos puntas, Anderson se queda con los más de 250 mil dólares del botín en complicidad con Kitty. Pero la mujer lo traiciona y el sueco, desilusionado, se retira y comienza una nueva vida en un pueblito a la espera del inexorable final.

Se trata de un film-noir clásico aunque complejo, lleno de flashbacks, en el que la narración sigue la investigación de un inspector de una compañía de seguros (Edmond O'Brien). Recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar, una de ellas por guión adaptado. Pero con sólo verlo queda claro que aunque nace del cuento de Hemingway la mayor parte de la historia fue inventada para el film.


De la televisión al cine

La segunda película es de 1964. También titulada The Killers, en Argentina se la conoció como Amor de víbora y en España como Código del hampa. Planeada originalmente por la NBC como un telefilm, por su violencia finalmente fue estrenada por la Universal en cines. La dirigió ese gran artesano que fue Don Siegel y, más allá del cuento de Hemingway, tiene varios puntos en común con la versión anterior, una clara influencia.

El sueco Anderson se llama aquí Johnny North, y no es boxeador sino piloto de carreras. Lo interpreta John Cassavetes, un auténtico outsider que supo como pocos combinar una carrera sumamente personal dentro y fuera del mainstream. Con algunas variantes, la respuesta a por qué se queda esperando que lo maten sin intención de defenderse es la misma que en el film de Siodmak: la desilusión ante la traición femenina.

La investigación la llevan adelante los propios asesinos (Lee Marvin y Clu Gulager) luego de matar a North en una escuela para ciegos. Los impulsan dos cuestiones: saber qué lo motivó a no oponer resistencia y obtener el botín del robo, que en este caso es de un millón de dólares.

Como en la primera versión, North se relaciona con una mujer fatal, Sheila Farr (Angie Dickinson), que por sus habilidades al volante logra involucrarlo en el asalto a un camión del correo. Al jefe de la banda, que además es el amante de Sheila, lo interpreta Ronald Reagan, unos cuantos años antes de que alguien (ni siquiera el doctor Brown de Volver al Futuro) pudiera imaginar que llegaría a ser presidente de Estados Unidos. De hecho, este fue su último papel en el cine antes de ingresar a la política, y el único villano de su carrera.

Con varios flashbacks y muertes por doquier, la historia, aunque con una estética demasiado televisiva, va ganando intensidad a medida que avanza. El cierre es más trágico que el de la versión de 1946, y combina elementos de los finales de tres grandes policiales de los cincuenta: Mientras la ciudad duerme (The Asphalt Jungle, John Huston, 1950), Rififi (Du rififi chez les hommes, Jules Dassin, 1955) y Casta de malditos (The Killing, Stanley Kubrick, 1956).

Lamentablemente ninguna de las películas fue editada en DVD en Argentina. Sólo se consigue una excelente edición de Criterion (perdón por la redundancia) de dos discos, uno por película, aunque sin subtítulos en castellano. En Amazon se ofrece a 31,99 dólares.

Curiosidad: la actriz Virginia Christine trabajó en ambos films. En el primero interpreta a Lilly, una novia del sueco Anderson que al final se casa con el teniente Sam Lubinsky. En el segunda, 18 años después, tiene una breve aparición al comienzo como la señorita Watson, recepcionista ciega que atiende a los asesinos cuando van a matar a North.

Un estudiante con futuro

 

Entre las dos mencionadas hubo una tercera versión, la más curiosa de todas y también la menos conocida. La realizó el ruso Andrei Tarkovsky en 1958, mientras era estudiante del Instituto Estatal de Cinematografía (VGIK), en Moscú, como un ejercicio para la clase que dictaba Mikhail Romm.

Tarkovsky dirigió el cortometraje con dos compañeros de estudio, Marika Beiku y Aleksandr Gordon. El film está claramente dividido en tres partes: el comienzo y el final, que transcurren en el restaurante al que llegan los asesinos, y la escena en la que le avisan a Anderson, en la habitación de un hotel, que dos hombres quieren matarlo. Gordon cuenta en un artículo publicado en el excelente sitio Nostalghia (que recopila información sobre vida y obra del realizador de Solaris) que Tarkovsky se encargó de la primera y la última junto a Beiku, aunque él tomó la mayoría de las decisiones.

Si bien se trata de su primer trabajo, Ubiitsy (título en ruso) ya deja ver algunas de las características que luego integrarían el repertorio del genial director ruso. Diálogos breves, un buen manejo de las pausas y los silencios, algunos interesantes movimientos de cámara, el clima de tensión. El propio Tarkovsky, aún sin su clásico bigote, interpreta a uno de los clientes que entran al restaurante donde los asesinos esperan al sueco. Mientras aguarda que le preparen un sándwich para llevar silva la popular canción Lullaby of Birdland, de George Shearing y George David Weiss.

La cinta está disponible en una edición en VHS de Yesterday Video Home junto a otro de sus primeros trabajos, La aplanadora y el violín (Katok i skripka, 1961). O, más cómodo, pueden hacer click en el enlace para ver el corto, completo y con subtítulos.       ( Ubijtsi I  / Ubijtsi II ) 

Se trata de la transcripción cinematográfica más fiel del cuento, y para eso alcanzan sus 19 minutos. Como bien señala Alsina Thevenet, podría haber sido aprobada por Hemingway. Aunque lo más probable es que en el momento del suicidio el autor de El viejo y el mar ignorara su existencia.


Andrés Fevrier, periodista (02/07/2008)

Un análisis sobre el cine negro

Primero fue la novela negra; Dashiell Hammet, Raymond Chandler, Willian Riley Burrett, etc...retrataron una época en la que los gangsters, la ley seca, los contrabandistas y una guerra que pronto se haría realidad marcarían una década de los 40 en USA, en la que la moral, el bien y en mal ya no eran patrimonio de nadie. Las leyes eran vulneradas tanto por sus representantes a pie de calle como por los altos estamentos del gobierno; el ciudadano corriente veía con cierta cotidianidad como todos ellos intentaban disputarse el pastel en una lucha cerrada con el crimen organizado. En las novelas el crimen salía de los despachos, las mansiones victorianas... y se ponía a ras de calle, los motivos eran cada vez más banales y hasta el transeúnte más anónimo podía ser un criminal.

El mundo sombrío, sórdido y lleno de sentimientos de culpabilidad del cine negro refleja la incertidumbre y la paranoia que se apoderó de la sociedad americana en aquella década. Aunque fundamentalmente el cine negro es un estilo visual, posee también su banda sonora particular, llena de sonidos urbanos y música de jazz, pero lo más definitivo de ese cine es esa lluvia que cae de noche sobre las calles y edificios de las ciudades. Esos barrios oscuros, húmedos, llenos de bares mugrientos, clubes ruidosos, hoteles baratos de chillones anuncios de neón, prostitutas, gangsters, femmes fatales, detectives privados... todos marcados por las sombras que la noche derrama sobre ellos, metáfora nítida de sus vidas anodinas, con valores morales indefinidos, atmósferas opresivas, corruptas.

Son films llenos de personajes reales, dentro de un ambiente de vicio, corrupción y marginalidad; con un humor sarcástico, violencia, con personajes llenos de pasiones insanas donde el bien y el mal son parte unívoca de sus complejas personalidades. Son gente ruda, directa, y desengañada de la vida con un impulso fatalista que les lleva a adoptar formas de vida a veces reñidas con ley pero en las que de un modo u otro mantienen una “ética” particular que los hace atractivos a nuestra mirada.

Fueron un amplio abanico de largometrajes no siempre muy reconocidos por los críticos de la época pero que el tiempo ha puesto en su justo lugar: Hampa Dorada, Calle sin Salida, Retorno al Pasado, Perdición, Los Violentos años 20, Sed de Mal, La Mujer del Cuadro, El Halcón Maltés, Perversidad, Laura, Los Sobornados, El Cartero siempre llama dos veces, La Casa de las Sombras, El Sueño Eterno y luego ya films más modernos como Klute, Chinatown, Malas Calles, La Noche se mueve, El Largo Adiós, Fuego en el Cuerpo... Creó un grupo no muy numeroso de grandes actores y actrices que con su sola presencia nos introducían en las películas de ese género. Al frente de un reparto llenaban la pantalla con su poderosa presencia : Edward G. Robinson, Humprey Bogart, James Cagney, George Raft, Richard Widmark, Jonh Garfield, Alan Ladd, Fred McMurray, Gloria Grahame, Verónica Lake, Lizabeth Scott, Barbara Stanwyck, Joan Bennett, Robert Ryan, Dana Andrews, Clifton Webb, Dan Duryea, Linda Darnell... con directores como Fritz Lang, Jacques Tourneur, Edward Dmytryk, Raoul Walsh, Robert Siodmak, Nicholas Ray...

FELIX 6821

CICLO CINE NEGRO: Títulos y fechas de las proyecciones

 LOS VIOLENTOS AÑOS 20 (1939) Raoul Walsh
Viernes 25/03/2011

PERDICIÓN (1944) Billy Wilder
 Viernes 01/04/2011

LA SENDA TENEBROSA (1947) Delmer Daves
Viernes 08/04/2011

RETORNO AL PASADO ( 1947) Jacques Tourneur 
Viernes 15/04/2011

EL PERRO RABIOSO ( 1949) Akira Kurosawa
Viernes 22/04/2011

LOS SOBORNADOS (1953) Fritz Lang
Viernes 29/04/2011

SED DE MAL (1958) Orson Welles
Viernes 06/05/2011

EL SILENCIO DE UN HOMBRE (1967) Jean Pierre Melville
Viernes 13/05/2011

CICLO "CINE NEGRO"

El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940 y 1950. Se suele considerar como la primera película de este tipo a El halcón maltés, de John Huston, con Humphrey Bogart y Mary Astor, estrenada en 1941.

El término de film noir fue acuñado por primera vez por el italiano Nino Frank y es usado por la crítica cinematográfica para describir un género de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gangsters o el cine social es sólo parcial. Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer (caso paradigmático son los detectives privados, frecuentes protagonistas del género, tales como Sam Spade o Philip Marlowe). Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.

El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte. Las novelas de Dashiell Hammett y Raymond Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe son frecuentes fuentes de los guiones del género.

Desde Lumiére & Lumiére os invitamos a viajar de nuestra mano por el turbio camino de los bajos fondos. Eso sí... a vuestra cuenta y riesgo.

CICLO "CINE NEGRO" EN LUMIÉRE & LUMIÉRE

El círculo rojo (1970)

TÍTULO ORIGINAL     Le cercle rouge
AÑO     1970   
DURACIÓN     150 min.
PAÍS     Francia
DIRECTOR     Jean-Pierre Melville
GUIÓN     Jean-Pierre Melville
MÚSICA     Éric Demarsan
FOTOGRAFÍA     Henri Decae
REPARTO     Alain Delon, Bourvil, Gian Maria Volonté, Yves Montand, François Périer, André Eycan
PRODUCTORA     Coproducción Francia-Italia
GÉNERO     Intriga. Cine negro. Policíaco. Crimen
SINOPSIS     Mientras Corey, un joven preso, es liberado tras cumplir condena en una cárcel francesa, Vogel, un criminal custodiado por el temible comisario Mattei, escapa del tren en que viajaban. Tras robar a un antiguo socio, Corey se encuentra con Vogel, a quien propondrá formar equipo para realizar un meticuloso robo de joyas.

El silencio de un hombre (El samurái) (1967)

TÍTULO ORIGINAL     Le Samouraï (Le samourai)
AÑO     1967    
DURACIÓN     105 min.   
PAÍS     Francia    
DIRECTOR     Jean-Pierre Melville
GUIÓN     Jean-Pierre Melville (Novela: Joan McLeod)
MÚSICA     François de Roubaix
FOTOGRAFÍA     Henri Decae
REPARTO     Alain Delon, Nathalie Delon, Caty Rosier, François Périer, Michel Boisrond, Jacques Leroy, Catherine Jourdan, Jean-Pierre Posier
PRODUCTORA     Coproducción Francia-Italia; Filmel / FIlms Borderie / T.C.P. / Fida Cinematografica
GÉNERO     Cine negro. Drama. Thriller. Crimen
SINOPSIS     La historia de un hermético y frío asesino a sueldo protagonizada por toda una estrella como Alain Delon supuso uno de los títulos más importantes del cine negro francés de todos los tiempos, obteniendo excelentes críticas.

"La cima de Jean Pierre Melville, un modelo de cine negro (...) de una desnudez formal llevada al límite que se traduce en una oleada de resonancias dramáticas." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Bob el jugador (1956)

TÍTULO ORIGINAL     Bob le flambeur
AÑO     1956   
DURACIÓN     101 min.
PAÍS     Francia
DIRECTOR     Jean-Pierre Melville
GUIÓN     Jean-Pierre Melville (Historia: Jean-Pierre Melville & Auguste Le Beton)
MÚSICA     Eddie Barclay & Jo Boyer
FOTOGRAFÍA     Henri Decae (B&W)
REPARTO     Roger Duchesne, Isabelle Corey, Daniel Cauchy, Guy Decomble, André Garret, Claude Cerval, Simone Paris, Howard Vernon
PRODUCTORA     Rialto Pictures
GÉNERO     Cine negro. Policíaco
SINOPSIS     Bob, un viejo gangster y un jugador empedernido, está casi a punto de arruinarse. Entonces decide, a pesar de las advertencias de los amigos, atracar un casino de Dauville. Todo está planeado a la perfección, pero la policía está informada del asalto y notodo saldrá como Bob espera.

Los violentos años veinte (1939)

TÍTULO ORIGINAL     The Roaring Twenties
AÑO     1939   
DURACIÓN     104 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Raoul Walsh
GUIÓN     Jerry Wald, Richard Macaulay, Robert Rossen
MÚSICA     Heinz Roemheld
FOTOGRAFÍA     Ernest Haller (B&W)
REPARTO     James Cagney, Priscilla Lane, Humphrey Bogart, Gladys George, Jeffrey Lynn, Frank McHugh, Paul Kelly, Elisabeth Risdon, Edward Keane, Joe Sawyer, Joseph Crehan, George Meeker, John Hamilton, Robert Elliott, Eddy Chandler, Abner Biberman, Vera Lewis
PRODUCTORA     Warner Bros. Pictures. Productor: Hal B. Wallis
GÉNERO     Cine negro. Thriller. Crimen. Años 20
SINOPSIS     Clásico del género que relata los diferente destinos de tres veteranos de la Primera Guerra Mundial que, tras conocerse en el campo de batalla, regresan a América tras luchar por su país. A pesar del desempleo y de las difíciles condiciones económicas, Lynn irá por el buen camino, pero Cagney, amargado por no tener trabajo ni futuro, únicamente encuentra una oportunidad en el contrabando ilegal de licor. Bogart es un implacable gángster en un mundo donde la violación de la ley seca implica entrar en el mundo del crimen...

Scarface, el terror del hampa (1932)

TÍTULO ORIGINAL     Scarface
AÑO     1932    
DURACIÓN     93 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Howard Hawks
GUIÓN     Ben Hecht, John Lee Mahin, Seton I. Miller, W.R. Burnett
MÚSICA     Adolph Tandler
FOTOGRAFÍA     Lee Garmes & L. William O'Connell (B&W)
REPARTO     Paul Muni, George Raft, Boris Karloff, Ann Dvorak, Karen Moley, Osgood Perkins, Vince Barnett, C. Henry Gordon
PRODUCTORA     Universal Pictures
GÉNERO     Cine negro. Thriller. Policíaco. Crimen. Mafia
SINOPSIS     Tony Camonte (Paul Muni), un pistolero de origen italiano, ignorante y sin escrúpulos, es el lugarteniente de Johnny Lovo (Osgood Perkins), el hampón más poderoso del South End de Chicago. Ambicioso y cruel, Camonte, que por una cicatriz que le cruza el rostro recibe el apelativo de Cara cortada, elimina poco a poco a los rivales de Lovo hasta que, con la ayuda de su amigo Gino Rinaldo (George Raft), le arrebata también el poder y se convierte en el amo de la ciudad. Tras un mes de vacaciones en Florida, descubre que su hermana Cesca (Ann Dvorak), por la que siente un amor confuso y arrebatado, es la amante de Gino.

"Obra maestra (...) dimensión trágica inolvidable gracias a una mirada que crea una atmósfera barroca, absorbente" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

El extraño amor de Martha Ivers (1946)

TÍTULO ORIGINAL     The Strange Love of Martha Ivers
AÑO     1946    
DURACIÓN     116 min.
PAÍS     Estados Unidos   
DIRECTOR     Lewis Milestone
GUIÓN     Robert Rossen (Historia: John Patrick)
MÚSICA     Miklós Rózsa
FOTOGRAFÍA     Victor Milner (B&W)
REPARTO     Barbara Stanwyck, Van Heflin, Lizabeth Scott, Kirk Douglas, Judith Anderson, Roman Bohnen, Darryl Hickman, Janis Wilson, Ann Doran, Frank Orth, James Flavin, Mickey Kuhn, Charles D. Brown
PRODUCTORA     Paramount Pictures | Productor: Hal B. Wallis
PREMIOS     1946: Nominada al Oscar: Mejor historia
GÉNERO     Cine negro. Drama
SINOPSIS     Tres jóvenes, Martha, Walter y Sam, se encuentran unidos por un terrible secreto. Han pasado los años y Martha (Stanwyck) y Walter (Douglas) se han casado: ella es una brillante y rica industrial, él un popular y ambicioso abogado. Pero cuando Sam (Heflin) vuelve inesperadamente a la ciudad y a sus vidas, comienzan los problemas...

Más allá de la duda (1956)

TÍTULO ORIGINAL     Beyond a Reasonable Doubt
AÑO     1956    
DURACIÓN     80 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Fritz Lang
GUIÓN     Douglas Morrow (Historia: Douglas Morrow)
MÚSICA     Herschel Burke Gilbert
FOTOGRAFÍA     William E. Snyder (B&W)
REPARTO     Dana Andrews, Joan Fontaine, Sidney Blackmer, Arthur Franz, Philip Bourneuf, Ed Binns, Shepperd Strudwick, Robin Raymond, Barbara Nichols, William Leicester, Dan Seymour, Rusty Lane
PRODUCTORA     RKO Radio Pictures
GÉNERO     Cine negro. Drama | Crimen
SINOPSIS     Un escritor intenta demostrar la deficiencia de las leyes y la ineficacia de la policía, colocando falsas pruebas contra sí mismo en un caso de asesinato.

Sólo se vive una vez (1937)

TÍTULO ORIGINAL     You Only Live Once
AÑO     1937    
DURACIÓN     86 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Fritz Lang
GUIÓN     Gene Towne & Graham Baker
MÚSICA     Alfred Newman
FOTOGRAFÍA     Leon Shamroy (B&W)
REPARTO     Henry Fonda, Sylvia Sidney, Barton MacLane, Jean Dixon, William Gargan, Warren Hymer, Margaret Hamilton, Jerome Cowan, Ward Bond, Guinn Williams
PRODUCTORA     United Artists
GÉNERO     Cine negro
SINOPSIS     Henry Fonda es un delincuente de poca monta condenado tres veces pero acusado de un asesinato que no ha cometido. Decide entonces escapar de la cárcel, pero esta decisión y la fatalidad le cerrarán la posibilidad de seguir un camino recto en la sociedad, a pesar de contar con el apoyo de una mujer que le ama.

"Las bellísimas imágenes de Lang desbordan lirismo para crear un sobrecogedor retrato social, un feroz alegato en nombre de la dignidad y una película inmensa, inolvidable." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

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Sólo se vive una vez (1937)

TÍTULO ORIGINAL     You Only Live Once
AÑO     1937    
DURACIÓN     86 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Fritz Lang
GUIÓN     Gene Towne & Graham Baker
MÚSICA     Alfred Newman
FOTOGRAFÍA     Leon Shamroy (B&W)
REPARTO     Henry Fonda, Sylvia Sidney, Barton MacLane, Jean Dixon, William Gargan, Warren Hymer, Margaret Hamilton, Jerome Cowan, Ward Bond, Guinn Williams
PRODUCTORA     United Artists
GÉNERO     Cine negro
SINOPSIS     Henry Fonda es un delincuente de poca monta condenado tres veces pero acusado de un asesinato que no ha cometido. Decide entonces escapar de la cárcel, pero esta decisión y la fatalidad le cerrarán la posibilidad de seguir un camino recto en la sociedad, a pesar de contar con el apoyo de una mujer que le ama.

"Las bellísimas imágenes de Lang desbordan lirismo para crear un sobrecogedor retrato social, un feroz alegato en nombre de la dignidad y una película inmensa, inolvidable." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

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La mujer del cuadro (1944)

TÍTULO ORIGINAL     The Woman in the Window
AÑO     1944    
DURACIÓN     99 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Fritz Lang
GUIÓN     Nunnally Johnson
MÚSICA     Arthur Lange
FOTOGRAFÍA     Milton Krasner (B&W)
REPARTO     Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson, Arthur Loft, Frank Dawson
PRODUCTORA     International Pictures. Distribuida por RKO
PREMIOS     1945: Nominada al Oscar: Mejor Banda sonora (Drama o comedia)
GÉNERO     Cine negro. Intriga. Thriller | Crimen
SINOPSIS     El profesor Wanley y sus amigos comienzan a obsesionarse con el retrato de una bella muchacha, que está expuesto en el escaparate contiguo al club en que se reúnen. Wanley conoce a la mujer del retrato y acepta ir a su apartamento. Pero allí ocurrirá algo inesperado. (FILMAFFINITY)

"Uno de los mejor policiacos de Fritz Lang (...) sobresaliente guión (...) con el apoyo de un inconmensurable Edward G. Robinson consigue una joya del séptimo arte" (Fernando Morales: Diario El País)

Perversidad (1945)

TÍTULO ORIGINAL     Scarlet Street
AÑO     1945    
DURACIÓN     103 min.
PAÍS     Estados Unidos
DIRECTOR     Fritz Lang
GUIÓN     Dudley Nichols (Novela: Georges de La Fouchardière, André Mouézy-Éon)
MÚSICA     Hans J. Salter
FOTOGRAFÍA     Milton Krasner (B&W)
REPARTO     Edward G. Robinson, Joan Bennett, Dan Duryea, Jess Baker, Margaret Lindsay, Rosalind Ivan, Samuel S. Hinds, Vladimir Sokoloff
PRODUCTORA     Universal Pictures
GÉNERO     Cine negro. Drama | Crimen. Remake
SINOPSIS     Christopher Cross, un cajero infelizmente casado, es no obstante un pintor amateur con talento. En cierta ocasión, conoce a una aventurera y se enamora de ella. La chica y su novio, un individuo sin escrúpulos, intentarán explotar al pobre cajero, que llegará a cometer un desfalco en su empresa, para que ella siga creyendo que es un artista de éxito.

"Lang dirige magistralmente este intenso drama (...) una de las mujeres fatales más logradas del cine de todos los tiempos, Joan Bennett, y el perfecto trabajo de Robinson para un melodrama clásico e imprescindible. Fascinante". (Fernando Morales: Diario El País)