Glauber Rocha: "El arte no es sólo talento, sino principalmente valentía".

Glauber Pedro de Andrade Rocha (Bahía, 1938-1981), tuvo un gran sueño, que lo ilusionó durante sus veintitrés años como cineasta, pero que nunca pudo materializar. Durante su adolescencia, desarrolló un gran interés por las artes, especialmente el teatro y el cine, e incluso se unió a un grupo teatral.  A los dieciséis años comenzó a trabajar como freelander para un periódico local y debutó como crítico de cine. 

Más tarde, acudió a clases de Derecho durante unos dos años y en 1959, después de intervenir en algunos proyectos como asistente, finalmente dirigió Pátio, su primer corto. Después de obtener cierto reconocimiento en Bahía por su obra y crítica artística, Rocha decidió dejar los estudios y seguir una carrera como periodista, además de director de cine. 

Tras la impactante y exitosa presentación de "Dios y el diablo en la tierra del sol" en Cannes en 1964, Rocha se convertiría en uno de los principales referentes del cine latinoamericano, consolidando su prestigio con otros films, como "Tierra en trance" (1967) y "Antonio das Mortes" (1969) y ocupando un rol central en cuanto foro de discusión sobre cine político –Pesaro, Viña del Mar, Génova, Nueva York, La Habana- clareara durante la agitada década del sesenta, entregando piezas fundamentales de teoría y práctica cinematográfica, como sus estéticas del Hambre y del Sueño.

Afianzado su nombre en el escenario local e internacional, Glauber Rocha  llevaría a cabo proyectos cada vez más ambiciosos y arriesgados -en términos estéticos, y en menor medida de producción-, en los escenarios más diversos, como España, Italia, Cuba o Congo, financiado por productores europeos que le otorgaban la libertad creativa que la dictadura brasileña le negaba. Sin embargo, los vaivenes políticos –propios y ajenos-, las prohibiciones y el exilio, los desencuentros con sus colegas, su alocada y espasmódica fecundidad y, finalmente, una aguda enfermedad bronco-pulmonar que le truncó la vida, siendo muy joven, a los 42 años, un 22 de agosto de 1981, dejaron inconcluso su sueño mayor, en el que pretendía resumir su proyecto creativo, su compromiso político y cinematográfico.

Glauber Rocha siempre quiso hacer una gran película sobre la historia y el presente de América Latina: "América nuestra" se iba a llamar. Si bien nunca la filmó, documentos escritos –apuntes para el guión, cartas, testimonios de sus amigos- en torno a este proyecto testimonian cómo era el proceso creativo de este brasileño indómito, y grafican hasta que punto sus películas concretadas son fragmentos de este mega relato inconcluso. De alguna manera, se puede pensar "América nuestra" como un símbolo de un proyecto inacabado, soñado por tantos otros artistas y pensadores latinoamericanos. 

Como el mismo realizador afirmó, "Soñar es el único derecho que no puede prohibirse".

Sus escritos "Riverçao critica do cinema brasileiro", (1963) y "Una estética de la violencia", constituyeron las bases del Cinema Novo de Brasil durante la década de los 60 del pasado siglo XX.

Fuente:http://ernestobabino.blogspot.com.es/search?updated-min=2007-01-01T00:00:00%2B01:00&updated-max=2008-01-01T00:00:00%2B01:00&max-results=4

Arqueología cinéfila

Cinevasco.com celebra su primer aniversario a lo grande.

Cinevasco.com es una plataforma de apoyo al cine vasco creada en enero de 2012 por el realizador Alain Xalabarde. Su objetivo, según declaran,  es "promover la industria del cine y motivar la expansión de sí misma mediante una red que falicite la comunicación entre profesionales".

A través de su web especialmente, pero también desde twiter, facebook y linkedin,  ofrece información sobre la actualidad cinematográfica vasca, además de un Foro en el que se pueden publicar anuncios de rodajes, castings, y  varias secciones mas mediante las que mantiene actualizada información sobre festivales, productoras, asociaciones, etc.   A destacar la interesante opción de incluir el propio perfil profesional dentro de un directorio de profesionales vascos organizado en diferentes áreas.

Para celebrar su primer aniversario, cinevasco.com ha organizado la Primera Gala de las "Euskal Bobinak",  que tendrá lugar el próximo 18 de enero, y premiará a las mejores realizaciones y profesionales del cine vasco.  

Mediante votación popular se otorgarán premios en seciones de mejor película (largo, corto, documental y largo por estrenar), mejor director, actriz y actor, así como un premio especial "Mejor Crew Menber".  

En reconocimiento a la labor de apoyo y difusión desde las redes sociales, habrá galardones honoríficos entre las personas o asociaciones que hayan destacado en su trabajo a través de fb, twiter, webs o diarios digitales. 

Cienvasco.com ha iniciado una campaña en la que solicita firmas de apoyo para que el Gobierno Vasco se involucre en el proyecto, que hasta ahora se ha desarrollado sin ningún tipo de subvención, con el fin de cumplir varios objetivos para su segundo año de andadura: edición de una plataforma en euskera,  creación de una Academia de Cine Vasco, y el reconocimiento formal de la próxima edición de las "Euskal Bobinak".

Esperamos que iniciativas como esta, destinada al reconocimiento y promoción del cine vasco, reciba la atención y apoyo que merece.  Todo es poco en estos tiempos de ambiciones cortas y miopías institucionales.

Novedades en diciembre

Aunque con un poco de retraso, ya podéis 
consultar las novedades que hemos incorporado a nuesto catálogo en diciembre. 
Nuevos títulos de estreno y 
ampliación de cartelera.

Les lyonnais, Brave, La cueva de los sueños olvidados, Prometheus, Profesor Lazhar,..,
y muchas más.

 

Ya disponibles para su alquiler en  Lumière&Lumière

Horario: de lunes a sábado, 10.00-14.00h. y  17.00-22.00h. 

domingos: 17.00-22.00h.

(Máquina 24h.)

Puedes consultarlos en la sección "Estrenos" o 

pinchando directamente AQUI

Michelangelo Antonioni; "la cualidad primera de un director es saber ver".

"Me siento como un padre ante mis antiguas películas. 

Traes hijos al mundo, luego éstos crecen, hacen su propia vida. 

De vez en cuando te reúnes con ellos, y es un placer volverles a ver".

Nacido en 1912 en Ferrara, en el seno de una familia de clase media, y murió en Roma en 2007.  Cursó estudios de Filosofía y Letras, Economía y Comercio en el Instituto Técnico de Bolonia. Se dedicó inmediatamente al periodismo en calidad de crítico cinematográfico en las páginas del diario Il Corriere Padano. Marchó a Roma a finales de los años treinta y continuó su labor cinematográfica en la revista Cinema.

Sus primeros pasos en el cine los dio como ayudante de dirección en 1942, en películas como I due foscari, de Enrico Fulchignoni, y Le visiteur du soir, de Marcel Carné; y como guionista en Un pilota ritorna, de Roberto Rossellini. La guerra interrumpió su trayectoria hasta que regresó a las mismas tareas con Caccia tragica (1947), de Giuseppe de Santis, y de nuevo como colaborador en las revistas de cine Film Rivista y Film d’oggi, así como en el periódico Italia Libera.

El cortometraje le permitió desarrollar sus primeros trabajos personales (resultó muy importante Gente de Po, 1947, por el realismo de la vida en torno al río) hasta que dio el salto al largometraje con Cronaca di un amore (1950), punto de partida de una mirada diferenciadora sobre la vida social que arraigó con fuerza inusitada en su obra: los amores imposibles, la fuerza de la mujer… No extrañó pues ver cómo aquellos personajes que se sienten ignorados tienden a buscar notoriedad (Il vinti, 1952) mientras que otros no lograron superar su convencionalidad (La signora senza camelie, 1953); tampoco extraña el hecho de que Antonioni fuera capaz de asumir el pesimismo de la obra de Cesare Pavese (Las amigas, 1955) y darle el enfoque que justifica la acción como búsqueda, como necesidad de perfección.

"El problema es la apariencia de la realidad. Nosotros directamente no 

estamos muy seguros de nuestra imagen. No sabemos jamás qué es

 lo que está detrás de las cosas. Porque a veces las imágenes contienen un significado que no teníamos intención de transmitir. Y pueden tener

 la forma de una realidad que no existe, pero como imágenes resultan tan verdaderas como si existieran".

A partir de La aventura (1960), inició y consolidó un periplo por el universo de la incomunicación del hombre en la sociedad en la que pretende sobrevivir. Por eso, más allá de explicaciones innecesarias (en muchas de sus obras quedan en el aire temas sin resolver), sigue con la cámara, como extensión de su mirada, el deambular de los personajes en su fragilidad, en sus ineludibles fracasos que no son más que una proyección del vacío que les envuelve. 

Incorporó un elemento visual determinante en sus propósitos: la sensualidad emanada de la que fue su musa durante unos años, Monica Vitti. Así construyó La noche (1961), El eclipse (1962) y El desierto rojo (1964), en años de gran intensidad creativa que le llevaron a tratar un mismo tema desde perspectivas complementarias: la indiferencia impide constatar la dicha de ser amado, y la vida confirma que la cercanía no evita el desconocimiento. La vida significa 'fracaso' para Antonioni.

Hibridaciones; cine, pintura y fotografía.

En pocos directores resulta tan evidente la relación entre cine y pintura como en Michelangelo Antonioni. Y, sin embargo, su legado pictórico es la faceta más desconocida de este genio italiano que no se sentía pintor ni siquiera cuando pintaba, pero que experimentaba "tal sentimiento de libertad cuando me pongo a pintar que quisiera no acabar nunca".

Su amor por el cine hizo que esta afición pasara a un segundo plano, hasta que en 1964, durante su preparación de 'Desierto Rojo', rescata los pinceles para redimirse del monótono blanco y negro con el que había filmado hasta entonces. Era su primera película a color y con ella despertarían unas inquietudes cromáticas que le habían perseguido incluso cuando parecía imposible trasladarlas al celuloide.

Antonioni estaba pintando cuando la casualidad hizo que una de estas obras quedara rota, cuarteada en pequeñas porciones. Con paciencia infinita, se propuso entonces reconstruirla y empezó a componer formas con minúsculos fragmentos de papel y témperas, hasta juntar una suerte de 'collage' con una forma parecida a la de una montaña.

De la serie "Montañas encantadas".

Éste fue el germen de las "Montañas Encantadas" (bautizadas así por él), aunque su apogeo vino más tarde. Porque el autor no se conformó con el resultado, sino que realizó un viaje en el que su faceta de cineasta se acaba desbordando y fagocita al simple pintor.

Para los cinéfilos, la referencia de esta serie es la película 'Blow up', en la que un fotógrafo recompone un crimen a partir de la ampliación de unas fotografías. En las Montañas Encantadas, Antonioni realiza un proceso muy parecido: fotografía la obra original para luego ampliarla. En un momento determinado, detiene esa ampliación, aunque casi siempre lo hace cuando la forma recuerda a una montaña.

Desde lejos el espectador verá naturalezas de tonos crudos, desiertas, pero de cerca resultan profundamente poéticas, nos encantan. Es, en resumen, Antonioni en su conjunto, su complejidad y su genio: cine, pintura y fotografía fundidos en un todo.

Para conmemorar el centenario del nacimineto de Antonioni, la Zinemateka de la Alhóndiga de Bilbao le está dedicando una retrospectiva compuesta por 29 títulos entre largometrajes, cortos y documentales.  Desde el 12 de diciembre hasta el 28 de febrero.

Fuentes: http://www.claqueta.es/directores/michelangelo-antonioni.html
http://www.elmundo.es/elmundo/2010/07/16/galicia/1279309047.html
http://www.alhondigabilbao.com/programacion/zinemateka/michelangelo-antonioni